Gestaltus's

ART DECO

2009-03-31T13:23:00.000-07:00

SEJARAH Art Deco Historic District (DISTRIK BERSEJARAH ART DECO)Distrik bersejarah Art Deco ini berlokasi di ujung selatan pantai Miami, Florida.Gaya Art Deco yang bercirikan garis-garis geometrik licin dan dekorasi bergaya, berkembang di daerah Miami selama ledakan perkembangan di tahun 1920-an dan 1930-an.Gaya Art Deco yang popular di tahun 1920-an dan 1930-an, digunakan terutama dalam desain-desain bangunan, mebel, perhiasan, dan dekorasi interior. Art Deco dicirikan dengan bentuk-bentuk yang melangsingkan dan licin; corak-corak geometrik; dan eksperimen-eksperimen dengan material-material industri seperti bahan-bahan metal, plastik, dan kaca. Istilah Art Deco adalah singkatan dari judul Pameran besar desain di Paris yang di adakan tahun 1925 yaitu Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes (International Exposition of Modern Industrial and Decorative Arts), dimana gayanya menjadi jelas pertama kali. Art Deco dengan cepat mendapat pegangan di Amerika, dimana gaya ini mencapai prestasi tinggi di arsitektur, khususnya pada gedung-gedung pencakar langit di kota New York pada akhir tahun 1920-an dan 1930-an seperti gedung Chrysler, Daily News dan gedung Empire State. Karena banyak gedung bergaya Art Deco yang di bangun pada masa jatuhnya perekonomian yang dikenal dengan (Great Depression), gaya ini seringkali disebut juga dengan depression moderne.

Gedung ChryslerGedung Chrysler (1930) di kota New York dipertimbangkan sebagai contoh murni dari arsitektur bergaya Art Deco. Di rancang oleh William Van Alen, yang terinspirasi dari seni kubism dan bentuk-bentuk mesin. Gedung ini berdiri dengan lengkungan-lengkungan yang mengecil ke atas sampai dengan puncak menara dengan panjang 319 meter terbuat dari stainless steel. Gedung ini menjadi gedung tertinggi di dunia selama setahun, sebelum gedung Empire State melewatinya.
Slide 14

Art Deco sendiri tumbuh karena jenuhnya orang pada bentuk lengkungan dan motif-motif tumbuhan dari Art Nouveau, yang banyak dipakai pada Desain Arsitektur pada awal abad ke-20. Art Deco tetap bertahan dengan kecondongan Art Nouveau dalam abstraksi dan pengulangan bentuk tapi tidak dengan bentuk-bentuk dan motif-motif dari gaya lama.
Garis-garis bersih, pelurusan dan simetris dari Art Deco menggambarkan meningkatnya kepentingan produk-produk industri dalam kehidupan sehari-hari, dan saling ketertarikan di antara seniman-seniman modern dan desainer-desainer dalam keindahan mesin. Objek-objek Art Deco biasanya bukan produksi massal, tapi banyak mempunyai kualitas barang produksi massal : kesederhanaan,pengulangan yang tidak beraneka ragam, dan pola-pola geometric. Desainer-desainer mulai memandang produk-produk industri sebagai objek bermanfaat daripada inspirasi seni.

Art Deco juga merupakan produk dari suburnya pertukaran seniman antara Paris, Perancis dan New York yang muncul setelah Perang Dunia I (1914-1918). Seniman, penulis dan musisi Amerika pergi ke paris setelah Perang dan membawa pendekatan kreatif yang masih segar. Orang-Orang Perancis yang terbatasi seni nya oleh tradisi, menyerap semangat improvisasi yang dibawa oleh orang Amerika. Kemudian arsitek-arsitek Amerika yang belajar di Paris’s École des Beaux Arts (School of Fine Arts) membawa pengaruh Eropa dalam banyak desain gedung-gedung pencakar langit di New York.

Seniman-seniman pertama yang ikut berkontribusi dalam penciptaan Art Deco adalah Desainer fashion Perancis Paul Poiret dan Desainer perhiasan dan kaca yang berasal dari Perancis René Lalique. Seirama dengan kaca eksperimental dari desainer Amerika yaitu Louis Comfort Tifanny, desain-desain kaca Lalique pada tahun 1910an bercirikan garis-garis panjang yang halus dan warna-warna yang tak biasa. Desain-desain original yang dibuat oleh Henri Matisse dan Pablo Picasso untuk Perusahaan Ballets Russes dance di Paris merupakan pengaruh tambahan dari gaya Art Deco yang mulai timbul.
Desainer-desainer Art Deco juga mengaggumi dan meminjam dari seni kuno yang ditemukan oleh arkeolog-arkeolog pada masa itu, khususnya peti mati Raja Mesir Tutankhamun (dipamerkan di Paris pada tahun 1922) dan Maya dan seni Mesoamerican lainnya.

Arsitektur
Pada Arsitekturbrt prestasi hebat Art Deco tidak muncul di Eropa tetapi di Amerika. Trio spesialis pencakar langit di kota New York mempersiapkan panggung untuk ledakan aktivitas kreatif selama tahun 1920-an dan awal 19-30an. Arsitek-arsitek Raymond M. Hood, Ralph Walker, dan Ely Jacques Kahn menghasilkan banyak gedung-gedung tinggi yang menjadi landmark dan menjadi inspirasi bagi desainer-desainer lain karena bentuk, material dan dekorasi yang inovatif dari mereka. Pengaruh besar karya mereka adalah desain dari Arsitek Eliel Saarinen yang ikut Chicago Tribune Building Competition pada tahun 1922. Walaupun rancangannya tidak menang, tapi karyanya membuat popular penggunaan profil gedung “beranak tangga” yang menjadi banyak dipakai gedung-gedung pencakar langit Art Deco.

Gedung-gedung pencakar langit Art Deco yang besar banyak dibangun semasa akhir perang dunia 1 yaitu tahun 1918 dan pertengahan 1930-an. Gelembung aktifitas ekonomi ini, kebanyakan terjadi sebelum kesulitan ekonomi pada tahun 1930-an, mendorong inovasi pada gedung-gedung tinggi. Hood menerapkan standar untuk desain gedung-gedung pencakar langit masa depan dengan desain-desainnya seperti Gedung American Radiator (1924); Gedung New York Daily News(1930); dan Gedung Mcgraw-Hill (1931). Dia juga ikut berkontribusi dalam pembangunan Rockefeller Center (1933, dengan beberapa tambahan), yang pernah menjadi karya terbesar di New York.
Gedung-gedung karya Ralph Walker terbuat dari bentuk-bentuk geometris yang besar yang terlihat hampir seperti dipahat keluar. Karya-karyanya seperti berikut :
Barclay-Vesey Telephone Building (1923-1926), Two Park Avenue Tower (1927), dan
Squibb Building (1930).
Desain gedung Art Deco lainnya yang terkenal adalah Gedung Chrysler (1930) oleh Arsitek Amerika William Van Alen, Gedung Empire State (1931) oleh perusahaan Shreve, Lamb & Harmon, dan interior dari Radio City Music Hall (1932) oleh Desainer Amerika Donald Deskey.

Seni Dekoratif Art Deco Table (meja)

Meja hitam yang terbuat dari kuningan ini di desain oleh Jacques Émile Ruhlmann pada sekitar tahun 1930 dengan gaya Art Deco. Bentuk meja yang elegan dan simpel adalah karakteristik dari desain Art Deco.

Art deco pada lukisan

Art Deco pada bangunan

Art Deco pada media cetak

sumber:
www.Google.com
www.wikipedia.com
buku Tinjauan desain 1, arief Adityawan.

Jakarta BIENNALE XIII 2009

2009-03-31T11:09:00.000-07:00

Even Jakarta biennale 2009 kali ini agak berbeda yaitu kini merupakan ajang berskala internasional yang Diselengarakan tanggal 27 januari 2009 Jakarta Biennale ini diadakan setiap tahun, dan disandingkan dengan berbagai kegiatan dari berbagai cabang seni dalam satu kerangka lebih besar yang disebut “Arena”

pembukaannya disambut oleh Gubernur DKI Jakarta Fauzi bowo.

“Ia berpendapat bahwa Jakarta biennale akan memberi warna tersendiri bagi masyarakat ibukota, dan dapat dimanfaatkan sebagai forum berkrea bagi seniman yang tidak dapat dipisahkan dari kehidupan masyarakat kota”.

berikut adalah 4 karya yang kami bahas dari jakarta biennale:

MONAS (monumen nasional)

Monument nasional, Jakarta pusat.

fotografer monas, jakarta pusat 2009.

Monumen nasional (Monas) adalah kebanggaan Indonesia. Belum ke Jakarta kalo belum foto berlatarkan monas namun tidak semua orang ke monas membawa kamera sendiri. Sebagian besar sering menggunakan jasa fotografer keliling. Dan tak jarang berpose unik seperti yang dianjurkan oleh para fotografer itu. Pose-pose yang dihasilkan adalah pose yang khas , aneh, bahkan lucu. Dari yang sedang memegang puncuk api monas sampai yang menyalakan rokok dengan monas itu. Foto-foto ini menggambarkan bagaimana orang merasa bangga, tak berjarak dan membentuk presepsi mereka sendiri atas monas yang mereka kenal. Sebuah pencitraan yang hanya biasa dilakukan oleh medium fotografi.

Daniel kampua , juga seorang fotografer, bekerjasama dengan fotografer keliling itu,untuk mengadakan pameran bersama. Ia menyimpan data foto mereka , bersama-sama memilihnya lalu memamerkannya di pintu terowongan untuk masuk monas dalam sejumblah panel.

Selain itu dalam pose bersama , juga dengan latar belakang monas , yang hasilnya dipamerkan bersama-sama foto koleksi mereka. Para pengunjung monas tidak hanya bias melihat “diri mereka” disana, namun juga para fotografer monas, pengunjung dan fotografer melalui sebuah pameran foto.

Daniel Kampua lahir jakarta , 1984 lulus dari jurusan fotografi di institut kesenian Jakarta pada 2008, ia aktif mengikuti berbagai loka karya dan pameran. Selain berkarya ia kini menjadi fotografer untuk sebuah majalah di Jakarta. Ia pernahraih manjadi salah satu dari lima penghargaan khusus pada Jakarta 32c 2008, sebuah pameran karya visual mahasiswa Jakarta yang diadakan oleh Ruang rupa dan kompotan Jakarta 32c di galeri nasional Indonesia pada 2008.

Antara monas, pangunjung dan fotografer.

STANI MICHIELS 122

Jakarta 2003

Digital photography

Five panels 100 x 140 cm

Jakarta terbangun atas contras-kontras yang memukau. Masjid berdiri tak jauh dari kelenteng cina, wilayah criminal dengan rumah-rumah rendah disamping menara-menara

mewah yang terproteksi, perumahan tradisional disisi arsitektur sampah neoklasik barat…

“percakapan saya dengan seniman dan masyarakat setempat membuat saya menemukan beragam tempat. Ketimbang membuat daftar elemen-elem yang berbeda ini,saya lebih tertarik menangkap apa yang terjadi diruang antara, dan dengan demikian bagaimana pergeseran ekstrim terjadi dikota ini dalam waktu yang relative singkat.

“karena itu saya membangun cara yang khusus untuk mengkonfresi video (siambil dari mobil,kereta, …) menjadi serangkaian foto yang tak terputus. Hal ini membentuk persepsi yang sama sekali baru tentang kota: seluruh jalanan, perumahan, dan bahkan penampang kota bisa dicakup dalam satu foto tak terputus. Tak seperti fotografi panoramik 360 drajad. Disini tidak ada posisi kamera yang tetap dan dominant, yang mengendalikan pandangan kamera, yang dibebaskan dari tripot, kini dapat bergerak dalam cara yang berliku-liku. Dengan demikian, pelihat foto selamanya terdisorientasi.

Karut- marut kota diterjemahkan dalam derau dari kejauhan, tapi dalam jalan-jalan yang jelas teperinci dari dekat.” ( penyataan seniman)

Lahir di GEEL, 1973. tinggal dan bekerja di Amsterdam.

Grogol _ _ _ _ _

Ismiaji cahyono memilih wilayah yg dekat dengan diri nya yaitu grogol. Sebagai sebuah simpang strategis yg sangat padat karena menghubungkan jakarta dengan tangerang. Grogol menyimpan berbagai persoalan, selain kemacetan, polusi, juga kriminal. Sebuahkondisi yang berdampak secara psikologis pada publik yang melaluinya. Billboard interaktif Aji mencoba untuk mendefinisikan kembali Grogol. Dengan mencari persamaan kata Grogol (Grogol = ....). Bagian titik bisa diisi secara langsung melalui pesan pendek oleh publik. Saa ini Aji sedang melakukan penelitian tentang perkembangan Grogol. Ia akan membenturkan hasil asumsi dari penelitian dengan opini yang akan ia dapa dari publik memalui pesan pendek itu. Aji telah mengubah fungsi billboard dari sekedar penyampaian pesan menjadi media untuk mendefinisikan sebuah lokasi spesifik.
Ismiaji Cahyono berasal dari DKV ITB. Ia sangat tertarik dengan ilustrasi yang membawa berkecimpung ke dalam dunia desain. Ia lulus th 2001. Thesis yang ia buat berjudul “ Balancing the Act: Pursuing a Sociality Responsible Graphic in Indonesia”. Kini Ismiaji sedang merintis studio desain bersama istrinya di Jakrta, mengajar di Universitas Bina Nusantara, UPH dan UI. Dan ia jg berpartisipasi menyusun konsep majalah desain GrafisVersus dan pada 2008 memimpin redaksinya.

The meeting

“The meeting (2008) mengacu pada suatu bagian yang tak di kenal dalam sejarah hubungan diplomatik Amerika – Jepang pada abad ke-20. Kisah di mulai berlatar ketengangan akibat Undang-Undang pembatasan Timur Asing (Oriental Exclusion Act). Yan diloloskan Kongres AS pada 1942 untuk menankal imigran Asia Timur dari Amerika Serikat.
“Dengan harapan mengembangkan rasa saling memahami antara masyaratakt dua negara ini pendeta sidney Gullick, mantan misionaris ke Jepang, menprakarsai Proyek oneka Persahabatan (friendship Doll Project), untuk mengirimkan sekelompok boneka kepada anak anak Jepang sebagai ungkapan nita baik. Pada Januari 197, 12.739 boneka bermata biru, sumbangan anak-anak dari seluruh Amerika Serikat, di kirim ke Jepang, bertepatan dengan perayaan Hina Matsuri, festival-boneka tahunan di Jepang. Sebagai balasan, masyarakat Jepang mengirimkan 58 Boneka Persahabatan yang di desain khusus ke Amerika Serikat, semuanya berbusana kimono yang dilengkapi dengan pernak-pernik perhiasan. Boneka – boneka itu mewakili 47 prefecture di Jepang, 6 kota besar, 4 teritorial dan rumah tangga kekaisarannya.
“Namun, sejarah akhirnya menggerogoti ungkapan – ungkapan niat baik semacam ini. Setelah pengeboman Pearl Harbour dan masuknya Amerika Serikat dalam kancah Perang Dunia II, sebagian besar Boneka Persahabatan itu digudangkan atau dikeluarkan dari museum – museum serta galeri yang semula menyimpannya. Nasib yang sama diderita pula boneka – boneka bermata biru di Jepang, bayak diantaranya dibakar atau dirusak sesuai dengan perintah yang dikeluarkan pemerintah Jepang.
“Berdasarkan Proyek Boneka Persahabatan 1927 tersebut, the meeting adalah serangkaian film pendek hitam-putih, dimana boneka dari dua negara berbeda (Jepang dan Amerika) bertemu dalam berbagai rumah – rumah boneka. Masing – masing perjumpaan dalam rangkaian 15pertemuan itu didesain serupa, dengan dua boneka berhadap – hadapan tak bergerak dalam ruangan yang digelapkan. Cahaya perlahan bergerak melalui bukaan dalam ruangan dan menyinari adegan tersebut, memberi bebayang dalam suasana yang berubah sekaligus menandai berjalannya waktu. Tata suara, dirancang oleh seniman bunyi (sound artist) Isaac Teo, yang memperkuat suasana dan ambiguitas kelima belas perjumpaan itu-kadang ramah, kadang tak pasti dan dalam kesempatan lainnya, jelas – jelas bermusuhan dang mengancam.” (pernyataan perupa)

Modern Times (film) – Charlie Chaplin

2009-03-25T08:21:00.000-07:00

Modern Times adalah 1936 film komedi oleh Charles Chaplin yang ia ikonik Little tramp karakter, di akhir film-diam rupa, berjuang untuk bertahan hidup dalam modern, dunia industri. Film ini adalah sebuah komentar pada desperate pekerjaan dan kondisi fiskal banyak orang yang dihadapi selama Great Depression, kondisi dibuat, Chaplin dalam tampilan, dengan efisiensi yang modern industrialisasi. Bintang film Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford dan Chester Conklin, dan ditulis dan diarahkan oleh Chaplin.

Modern Times dianggap "budaya signifikan" oleh Library of Congress di tahun 1989, dan dipilih untuk pelestarian di Amerika Serikat National Film Registry.

Plot

Modern Times portrays Chaplin sebagai pekerja pabrik, yang bekerja pada sebuah sidang baris. Setelah subyek seperti indignities sebagai kekuatan-makan oleh seorang "modern" mesin makan dan mempercepat sidang baris dimana Chaplin screws kacang pada peningkatan nilai-lamanya ke bagian mesin, ia menderita suatu gangguan mental. Berikut ini kepada pemulihan yang sekarang menganggur Chaplin adalah salah satu yang ditangkap untuk Komunis demonstrasi ketika ia hanya berusaha untuk kembali bendera (merah bendera) yang jatuh di sebuah truk pengiriman. Dalam penjara, ia tanpa sengaja makan smuggled kokain, mistaking untuk garam. Mengigau berlaku di negara dia berjalan ke jailbreak dan knocks the Tasmania. Dia adalah seorang pahlawan hailed dan dilepaskan.

Di luar penjara, ia menemukan kehidupan yang keras, dan mencoba untuk mendapatkan ditangkap setelah gagal untuk mendapatkan pekerjaan yang layak. Dia segera berjalan menjadi anak yatim girl (the "gamine"), dimainkan oleh Paulette Goddard, yang lari polisi setelah mencuri satu buah roti roti. Untuk menyimpan girl dia memberitahu polisi bahwa dia pencuri dan patut yang akan ditangkap. Namun, saksi menyatakan dia menipu dan dia dibebaskan. Untuk mendapatkan ditangkap lagi, dia makan yang besar jumlah makanan di kafetaria tanpa membayar. Dia bertemu dengan gamine di mobil patroli, yang crash, dan mereka meloloskan diri. Dreaming dari kehidupan yang lebih baik, dia mendapatkan pekerjaan sebagai penjaga malam di sebuah department store, sneaks yang gamine ke toko dan bahkan memungkinkan burglars ada beberapa makanan. Waking up berikutnya pagi di timbunan dari pakaian, ia sekali lagi ditangkap.

Sepuluh hari kemudian, dia mengambil gamine baru ke rumah - sebuah gubuk susut yang ia mengakui "tidak Istana Buckingham" tetapi akan dilakukan. Pagi berikutnya, Chaplin membaca tentang pabrik baru dan lahan pekerjaan di sana. Dia mendapat bos yang terperangkap dalam mesin, tetapi mengelola untuk melepaskan dia. Lain pekerja memutuskan untuk pergi pada mogok. Paddling batu bata yang secara tidak sengaja menjadi polisi, dia ditangkap lagi. Dua bulan kemudian, dia dibebaskan dan belajar bahwa gamine a dancer kafe, dia dan dia akan mencoba untuk mendapatkan pekerjaan sebagai singer. Malam hari, ia menjadi pelayan yang efisien meskipun ia menemukan kesulitan untuk kirim perbedaan antara "dalam" dan "out" ke pintu dapur, atau untuk berhasil mengirimkan bebek panggang ke meja. Selama lantai menunjukkan, dia kehilangan sebuah pukulan yang melahirkan lirik lagu dari-Nya, tetapi ia bertindak menyelamatkan dia oleh improvising yang jelas dalam kata pantomiming sementara. Ia bertindak membuktikan gemilang. Ketika polisi datang untuk menangkap dia yang sebelumnya gamine untuk keluar, mereka keluar lagi. Akhirnya, kami melihat mereka berjalan di bawah jalan subuh, tapi pasti menuju sebuah masa depan penuh harapan.

Cast

* Charlie Chaplin sebagai pekerja pabrik (the tramp)
* Paulette Goddard sebagai gamine (Ellen Peterson)
* Henry Bergman sebagai pemilik cafe
* Chester Conklin sebagai montir
* Stanley Sandford sebagai Big Bill
* Hank Mann sebagai alat
* Stanley Blystone sebagai gamine ayah
* Al Ernest Garcia sebagai presiden dari Electro Steel Corp (dikreditkan sebagai Allan Garcia)

Produksi

* Sutradara: Charles Chaplin
* Produsen: Charles Chaplin
* Penulis skenario: Charles Chaplin
* Direktur Fotografi: Rollie Totheroh, Ira Morgan

Chaplin mulai mempersiapkan film pada tahun 1934 sebagai yang pertama "kosong", dan pergi sejauh yang menulis naskah dialog dan percobaan dengan beberapa adegan suara. Namun, ia segera meninggalkan upaya ini dan dikembalikan ke format diam disinkronkan dengan efek suara. Dialog percobaan dikonfirmasi lama-nya berdiri keyakinan bahwa universal tramp banding yang akan hilang jika karakter pernah berbicara pada layar. Memang, film ini menandai tramp terakhir tampilan layar, dan arguably akhir dari film bisu era. Sebagian besar film yang mencoba "silent kecepatan", 18 frame per detik, yang bila diproyeksikan di "kecepatan suara", 24 frame per detik, membuat tindakan dagelan muncul bahkan lebih fanatik. Tersedia cetakan film benar sekarang ini. Film itu direkam panjang - film sesi dimulai pada 11 Oktober 1934 dan berakhir pada 30 Agustus 1935. [1]

Meskipun bukan "kosong", Modern Times termasuk melacak disinkronkan dengan suara musik yang skor (terdiri oleh Chaplin), Foley efek, singers dan suara yang berasal dari radio, suara dan layar televisi di kamar kecil. Menjelang akhir film yang tramp adalah mendengar suara untuk pertama kalinya dan hanya sebagai dia iklan-libs palsu Prancis dan Italia jelas untuk sejumlah Leo Daniderff 's lagu populer Je cherche Apres Titine.

Referensi ke narkoba dilihat dalam penjara urutan adalah sedikit keberanian untuk waktu (sejak kode produksi yang didirikan pada 1930, melarang penggambaran secara ilegal menggunakan narkoba dalam film); Chaplin telah dibuat referensi sebelum obat di salah seorang paling terkenal film pendek mudah Street, dirilis pada 1917.

Musik

Menurut dokumen resmi, musik adalah skor terdiri oleh Chaplin dirinya, dan diatur dengan bantuan Alfred Newman. Dengan tema romance kemudian diberikan lirik, dan menjadi pop standar "Smile", pertama dicatat oleh Nat King Cole dan kemudian dibahas oleh sebagai seniman seperti Barbra Streisand, Diana Ross, Michael Bublé, Michael Jackson, Liberace, Judy Garland, Madeleine Peyroux, dan Robert Downey, Jr (termasuk pada soundtrack untuk film Chaplin).

Bahkan, menurut komposer film David Raksin, musik yang ditulis oleh dia, sebagai seorang komposer muda dan tekun ingin membuat nama untuk dirinya sendiri. Chaplin akan duduk (sering di WC), giat tunes, dan memberitahu Raksin untuk "mengambil bawah ini". Kemudian, Raksin dari pekerjaan ini adalah untuk menghidupkan skor menjadi kuat, dan membuat waktu dan sinkronisasi yang sesuai dengan situasi. Chaplin adalah seorang pemain biola pandai dan tahu sesuatu tentang musik, tetapi dia adalah seorang orchestrator tidak, tidak ada yang tahu tentang sinkronisasi, dan telah mampu menulis musik untuk film ini. Lagu, "Smile", yang terdiri oleh dia, namun. Raksin pergi untuk membuat skor untuk film seperti itu sebagai Laura, dan Hari Setelah.

Penerimaan

Dunia premier of Modern Times (1936), New York

Modern Times sering hailed Chaplin sebagai salah satu dari banyak prestasi, dan tetap salah satu film yang paling populer. Gambaran yang ikonik dari Chaplin bekerja dgn penuh ketakutan untuk bersaing dengan sebuah perkumpulan baris terinspirasi nanti komedi rutinitas termasuk Disney's Face Der Fuehrer, sebuah episode dari I Love Lucy berjudul "Proyek Berpindah", dan baru-baru ini, sebuah episode of Drake & Josh.

Ini adalah pertama Chaplin terus terang politik-tema film, dan unflattering lukisan dari masyarakat industri yang dihasilkan kontroversi di beberapa tempat pada awalnya lepaskan.

Film pameran terkemuka kesamaan ke 1931 diarahkan oleh film Perancis René Clair J berhak nous la Liberté (Untuk Liberty Kami) - berkumpul di urutan baris adalah contoh yang jelas. Jerman film perusahaan Tobis Film digugat Chaplin berikut film dari rilis ke rilis tidak faedah. Mereka digugat kembali setelah Perang Dunia II (dianggap dendam untuk Chaplin's nanti anti-Nazi dalam pernyataan The Great Dictator). Kali ini, mereka menetap dengan Chaplin dari pengadilan. Liberté direktur Clair merupakan outspoken admirer dari Chaplin, adalah flattered oleh bahwa film icon mungkin meniru dia, dan sangat malu Tobis Film yang akan menuntut Chaplin.

Film yang menarik kritikan karena hampir sepenuhnya diam, meskipun industri film yang memiliki panjang sejak embraced gambar yang berbicara. Chaplin baik sekali dikhawatirkan bahwa misteri dan romanticism dari tramp karakter akan hancur jika ia berbicara, dan dikhawatirkan akan mengasingkan fans nya di non-wilayah berbahasa Inggris. His film masa depan, bila tidak dilakukan sepenuhnya baku "film bicara".

SUMBER :
http://en.wikipedia.org/wiki/Modern_Times_(film)

VIDEO : Art, Comedy – Charlie Chaplin – “Modern Times”

SUMBER :
http://video.google.com/videoplay?docid=893627879073510155&ei=rlLKSfWUMIy6wgP7uNTyBA&q=Modern+Times+charlie+chaplin&hl=id

Charlie Chaplin

2009-03-25T07:23:00.000-07:00

Sir Charles Spencer Chaplin, Jr. KBE (lahir di East Street, Walworth, London, 16 April 1889 – wafat di Vevey, Swiss, Swiss, 25 Desember 1977 pada umur 88 tahun), atau Charlie Chaplin, adalah aktor komedi Inggris yang merupakan salah satu pemeran film terkenal dalam sejarah Hollywood di era film hitam putih, sekaligus sutradara film yang sukses. Aktingnya di layar perak menjadikan Charlie Chaplin sebagai salah satu artis pantomim dan badut terbaik yang sering dijadikan panutan bagi seniman di bidang yang sama.

Chaplin adalah salah satu tokoh paling berpengaruh dan paling kreatif di era film bisu. Di dalam film-filmnya, Chaplin dikenal suka merangkap-rangkap, mulai dari peran utama, sutradara, penulis naskah, hingga pengisi ilustrasi musik. Karir di dunia hiburan berlangsung selama 65 tahun, dirintisnya sebagai pemeran cilik di panggung zaman Victoria dan pertunjukan komedi music hall di Inggris, dan terus berkarya hingga sebelum meninggal di usia 88 tahun. Kehidupan Chaplin penuh pasang surut, mulai dari masa kecil yang dibalut kemiskinan, hingga tiba di puncak ketenaran bintang Hollywood sekaligus simbol budaya. Kehidupan pribadinya yang gemerlap mengundang banyak sanjungan sekaligus kontroversi.

Di dalam film-filmnya, Chaplin sering memerankan karakter "The Tramp", seorang gelandangan berpotongan kumis petak yang memiliki etiket dan martabat seorang bangsawan. Kostum berupa jas kesempitan, celana panjang yang kebesaran, serta ke mana-mana membawa tongkat dan memakai topi tinggi.

Masa kecil

Charlie Chaplin lahir tanggal 16 April 1889 di East Street, daerah pasar yang ramai di Walworth, sebelah selatan kota London. Kedua orang tuanya yang bekerja sebagai artis penghibur pertunjukan komedi music hall bercerai sebelum Chaplin menginjak usia 3 tahun.

Menurut data sensus tahun 1891, Chaplin tinggal bersama kakak dan ibunya yang bernama Hannah di Barlow Street, Walworth. Sewaktu masih kanak-kanak, ibunya mengajak Chaplin tinggal berpindah-pindah di sekitar Kennington Road, kawasan Lambeth, London.

Ayah kandungnya yang bernama Charles Chaplin Senior adalah keturunan orang Roma, seorang peminum dan hanya sekali-kali saja menghubungi putranya. Ketika ibunya sedang sakit, Chaplin sempat dititipkan di rumah sang ayah yang ketika itu tinggal bersama seorang wanita simpanan. Rumah tersebut ada di 287 Kennington Road, dan sekarang terdapat plakat peringatan yang menyatakan Charlie Chaplin pernah tinggal di sana.

Ketika masih berusia 12 tahun, Chaplin ditinggalkan sang ayah untuk selama-lamanya. Chaplin dan kakak sekandung lain bapak yang bernama Sydney Chaplin menjadi tanggung jawab sang ibu, Hannah Chaplin. Malang tidak bisa ditolak, ibu Chaplin menderita Skizofrenia dan akhirnya harus dirawat di rumah sakit jiwa Cane Hill di Coulsdon.

Chaplin terpaksa tinggal di rumah penampungan orang miskin, bekerja untuk imbalan makan dan tempat berteduh di kawasan Lambeth, London. Setelah tinggal di sana beberapa minggu, Chaplin dimasukkan sekolah asrama penampungan anak terlantar bernama Central London District School di Hanwell.

Kakak-beradik Chaplin berjuang bahu-membahu agar bisa bertahan hidup. Chaplin bersaudara tertarik tampil dalam pertunjukan komedi Music Hall di usia yang sangat dini, dan ternyata keduanya memiliki bakat akting alami. Masa kecil Chaplin yang dikungkung kemelaratan nantinya sangat berpengaruh terhadap karakter yang diperankan dan tema film yang dibuatnya.

Tanpa diketahui Chaplin bersaudara, sang ibu ternyata masih memiliki seorang putra bernama Wheeler Dryden yang dibesarkan ayah kandungnya di luar negeri. Wheeler Dryden, adik sekandung Chaplin ini nantinya bergabung dengan Chaplin bersaudara, dan bekerja untuk studio Chaplin di Hollywood.

Di tahun 1928, ibu Chaplin wafat di Hollywood, setelah 7 tahun tinggal di Amerika Serikat atas ajakan ketiga putranya yang sudah sukses.

Dunia panggung

Chaplin pertama kali naik panggung di tahun 1894 sewaktu masih berusia 5 tahun. Tanpa persiapan sebelumnya, di sebuah teater di Aldershot, Chaplin secara mendadak diminta menggantikan ibunya. Sewaktu masih kecil, Chaplin sakit keras dan harus berbaring di tempat tidur selama berminggu-minggu. Di malam hari, ibunya duduk di bingkai jendela, bercerita sambil mendramatisasi kejadian pada hari itu. Chaplin pertama kali naik panggung dengan mendapatkan bayaran setelah bergabung dengan kelompok penari The Eight Lancashire Lads yang mementaskan pertunjukan music halls di Britania. Di tahun 1900, berkat bantuan Sydney (kakak sekandungnya), Chaplin yang waktu itu berusia 11 tahun mendapat peran sebagai kucing jenaka dalam pantomim Cinderella di London Hippodrome. Di tahun 1903, Chaplin tampil dalam Jim: A Romance of Cockayne, diikuti peran rutinnya sebagai Billy anak pengantar koran dalam Sherlock Holmes yang terus dijalani hingga tahun 1906. Chaplin tampil berikutnya dalam acara variety Casey's Court Circus, dan tahun berikutnya sebagai badut dalam kelompok komedi slapstik Fun Factory di bawah asuhan Fred Karno.

Pertunjukan di Amerika

Chaplin pertama kali ke Amerika mengikuti pertunjukan keliling kelompok asuhan Fred Karno dari tahun 1910 hingga 1912. Setelah balik ke Inggris dan berada di sana selama 5 bulan, Chaplin kembali berangkat ke Amerika dan tiba di sana tanggal 2 Oktober 1912. Kedatangan Chaplin yang kedua di Amerika juga masih bersama kelompok Fred Karno. Arthur Stanley Jefferson yang kemudian dikenal sebagai Stan Laurel turut serta dalam rombongan dan menjadi teman sekamar Chaplin di asrama. Laurel akhirnya pulang ke Inggris, tapi Chaplin tetap bertahan di Amerika. Di akhir tahun 1913, produser film Mack Sennett terkesan dengan akting Chaplin yang waktu itu sedang bermain untuk rombongan Karno. Sennet mengontrak Chaplin yang setuju untuk bermain dalam film-film yang diproduksi studio Keystone Film. Film pendek Making a Living, komedi satu reel yang dirilis 2 Februari 1914 merupakan penampilan pertama Chaplin di layar perak.

Perintis dunia sinema

Kid Auto Races in Venice (1914). Film kedua Chaplin dan debutnya dengan kostum Tramp

Film-film awal Chaplin diproduksi pada tahun 1914 di Keystone Studios yang merupakan tempat Chaplin belajar teknik pembuatan film, sekaligus mengembangkan karakter Tramp. Chaplin pertama kali memperkenalkan karakter Tramp kepada publik melalui film keduanya, Kid Auto Races at Venice (diedarkan 7 Februari 1914) dan film ketiganya Mabel's Strange Predicament (9 Januari 1914).

Di akhir kontrak dengan Keystone, Chaplin sudah bisa menyutradarai dan menyunting sendiri film-film pendek yang dibuatnya. Film-film tersebut ternyata sukses besar. Di tahun 1915, Chaplin menyetujui kontrak satu tahun dengan studio Essanay. Setelah itu, kontrak bernilai besar untuk selusin film komedi tipe dua reel disepakati Chaplin dengan studio Mutual Film di tahun 1916. Studio memberinya kebebasan artistik yang nyaris tanpa batas. Dalam dalam jangka waktu 18 bulan, Chaplin berhasil menyelesaikan 12 judul film. Film-film ini nantinya berhasil menjadi film komedi klasik dan tetap masih bisa menghibur hingga sekarang. Di kemudian hari, Chaplin mengenang masa bersama studio Mutual sebagai periode paling membahagiakan dalam karirnya.

Studio Charlie Chaplin (tahun 1922)

Setelah kontrak dengan studio Mutual habis di tahun 1917, Chaplin menandatangani kontrak produksi 8 film tipe dua reel dengan studio First National. Selain pembiayaan dan distribusi film-film (1918-1923) yang ditanggung studio First National, kebebasan artistik seluruhnya berada di tangan Chaplin. Dengan kebebasan berkreasi ada di tangan, Chaplin membangun studio Hollywood sendiri. Pada periode ini tercipta film-film Chaplin yang tak lekang dimakan waktu, dan masih bisa dijadikan panutan bagi pembuat film yang lain. Film-film yang diproduksi Chaplin bersama First National berupa film komedi dengan masa putar singkat, misalnya: A Dog's Life (1918) dan Pay Day (1922), ditambah film dengan masa putar lebih panjang, misalnya: Shoulder Arms (1918), dan The Pilgrim (1923). Film Chaplin asal periode ini dengan masa putar standar dan berhasil menjadi klasik adalah The Kid (1921).

Di tahun 1919, Chaplin mendirikan distributor film United Artists bersama-sama Mary Pickford, Douglas Fairbanks, dan D. W. Griffith. Mereka berempat berusaha melepaskan diri dari sistem monopoli yang dipegang distributor film dan pemilik modal di Hollywood. Usaha ini berhasil, dan kemandirian Chaplin sebagai pembuat film tetap terjamin berkat adanya kendali penuh atas film yang diproduksi di studio milik sendiri. Nama Chaplin terus tercatat sebagai anggota dewan direktur UA hingga di awal tahun 1950-an.

Seluruh film Chaplin yang diedarkan United Artists bermasa putar standar, dimulai dari A Woman of Paris (1923), diikuti film The Gold Rush (1925) yang nantinya menjadi klasik, dan diakhiri dengan The Circus (1928).

Film-film bisu yang hingga sekarang dianggap sebagai karya terbesarnya, City Lights (1931) dan Modern Times (1936) justru dibuat Chaplin ketika dunia sinema sudah mengenal film bersuara. Di kedua film tersebut, Chaplin mengerjakan sendiri efek suara dan ilustrasi musik. Film City Lights mungkin berisi keseimbangan sempurna antara komedi dan sentimentalitas ala Chaplin. Adegan terakhir film City Lights dipuji kritikus James Agee yang berkomentar di majalah Life tahun 1949 sebagai: "sepotong akting paling hebat yang pernah direkam seluloid".

Film bersuara karya Chaplin yang dibuat di Hollywood adalah: The Great Dictator (1940), Monsieur Verdoux (1947), dan Limelight (1952).

Film "Modern Times" (1936), Chaplin sedang makan dilayani mesin.

Walaupun pembuat film lain sudah beralih pada film bersuara, Chaplin bertahan untuk tidak ikut-ikutan. Film bersuara sudah dikenal sejak tahun 1927, tapi Chaplin terus bertahan dengan film-film bisu selama dekade 1930-an. Film Modern Times (1936) adalah film bisu, tapi memperdengarkan dialog yang keluar dari benda-benda mati, seperti radio atau pesawat televisi. Chaplin memang sengaja membuatnya seperti itu untuk membantu penonton film di tahun 1930-an yang tidak lagi terbiasa melihat film bisu. Film Modern Times sekaligus film pertama yang memperdengarkan suara Chaplin (pada lagu yang dipasang di akhir film). Walaupun demikian, film ini masih dianggap film bisu oleh sebagian penonton, sekaligus akhir dari era film bisu karya Chaplin.

Chaplin dikenal sebagai artis serba bisa, koreografi film Limelight (1952) dikerjakannya sendiri, begitu pula lagu latar film The Circus (1928). Lagu berjudul "Smile" merupakan ciptaan Chaplin yang paling terkenal di antara semua lagu yang pernah ditulisnya. Ditulis untuk film "Modern Times", lagu "Smile" diberi tambahan lirik untuk dinyanyikan Nat King Cole sewaktu ingin diedarkan kembali di tahun 1950-an. Lagu "This Is My Song" dari film terakhir Chaplin, "A Countess From Hong Kong" berhasil menjadi hit dalam berbagai bahasa di tahun 1960-an (terutama versi Petula Clark). Film Limelight berisi lagu tema berjudul "Eternally" yang berhasil menjadi hit di tahun 1950-an.

Ilustrasi musik untuk film Limelight yang dikerjakan Chaplin mendapat nominasi Academy Awards di tahun 1972. Hal ini dimungkinkan karena pertunjukan perdana di Los Angeles tertunda selama dua dekade.

Academy Awards

Chaplin dan Jackie Coogan dalam film The Kid (1921)

Chaplin memenangkan 2 penghargaan kehormatan Academy Awards. Waktu itu belum ada prosedur audit pemungutan suara, dan penghargaan Oscar yang pertama dibagi-bagikan pada 16 Mei 1929 berdasarkan pembagian kategori yang sangat luwes. Chaplin mulanya dinominasikan sebagai Aktor Terbaik dan Sutradara Komedi Terbaik untuk karyanya The Circus, tapi namanya ditarik kembali dan dewan Academy justru memutuskan untuk memberi penghargaan istimewa untuk "kegeniusan, kemampuan serba bisa dalam akting, penulisan, penyutradaraan, dan produksi film The Circus". Film lain yang menerima penghargaan istimewa pada tahun itu adalah The Jazz Singer.

Penghargaan kehormatan yang kedua dari Academy diterima Chaplin 44 tahun kemudian di tahun 1972. Chaplin menerima penghargaan atas "pengaruh tak terhingga yang dibuatnya dan menjadikan film sebagai bentuk seni abad ini". Chaplin keluar dari pengasingannya untuk menerima penghargaan ini. Setelah Chaplin menerima penghargaan, para hadirin berdiri memberikan sambutan tepuk tangan selama 5 menit penuh yang hingga sekarang tercatat sebagai standing ovation terlama sepanjang sejarah Academy Award.

Chaplin juga pernah masuk nominasi sebagai penerima penghargaan Academy untuk Aktor Terbaik, Skenario Asli Terbaik, dan Film Terbaik untuk karyanya The Great Dictator, tapi gagal. Film Monsieur Verdoux (1947) juga pernah dicalonkan sebagai Skenario Asli Terbaik, namun lagi-lagi gagal meraih penghargaan. Sewaktu masih aktif sebagai pembuat film, Chaplin pernah menyatakan ketidakpuasannya pada Academy Awards. Putranya yang bernama Charles Jr. bercerita tentang tindakan Chaplin menjadikan penghargaan Oscar yang diterimanya di tahun 1929 sebagai pengganjal pintu yang menjadi sebab kemarahan dewan Academy di tahun 1930-an. Hal ini mungkin menjadi alasan film City Lights sama sekali tidak pernah masuk nominasi, padahal berbagai hasil jajak pendapat sepakat film ini sebagai salah satu film terbesar dalam sejarah layar perak.

Di usia lanjut, Chaplin pernah memperoleh Academy Award yang didapatnya dari hasil kompetisi dan bukan secara kehormatan. Di tahun 1973, film Limelight (1952) mendapat penghargaan Oscar untuk Academy Award untuk Ilustrasi Musik Asli (Best Music in an Original Dramatic Score). Chaplin membintangi film ini bersama Claire Bloom, serta tampil secara cameo bersama Buster Keaton yang merupakan satu-satunya penampilan kedua komedian terbesar dalam satu film. Setelah film selesai diproduksi, kecenderungan politik yang dianut Chaplin menyebabkan film Limelight tidak jadi diputar di Los Angeles. Pemutaran di Amerika Serikat baru berlangsung di tahun 1972, sehingga film ini walaupun diproduksi tahun 1952 berhak masuk nominasi.

Karya terakhir

Dua film terakhir Chaplin dibuat di London: A King in New York (1957) yang dibintanginya sendiri (sekaligus penulis skenario dan sutradara), dan A Countess from Hong Kong (1967) dengan bintang Sophia Loren dan Marlon Brando. Film A Countess from Hong Kong merupakan penampilan Chaplin yang terakhir, tampil singkat secara cameo sebagai awak kapal yang sedang mabuk laut.

Dalam otobiografi berjudul My Life in Pictures terbitan tahun 1974, Chaplin menuturkan bahwa dirinya sudah menulis skenario untuk dibintangi Victoria, putri terkecilnya. Kalau skenario yang diberinya judul The Freak jadi diproduksi, Victoria akan diberi peran sebagai bidadari. Menurut Chaplin, skenario film ini sudah selesai dan latihan praproduksi sudah dimulai (buku ini memuat foto Victoria lengkap dengan kostumnya), tapi produksi dihentikan karena Victoria menikah. Chaplin menambahkan, "Kapan-kapan, pasti aku buat." Kesehatan Chaplin terus menurun di tahun 1970-an, dan meninggal sebelum angan-angannya terwujud.

Salah satu karya yang diketahui sebagai karya terakhir Chaplin adalah ilustrasi musik yang ditulisnya untuk memperbarui A Woman of Paris, karyanya yang kurang sukses di tahun 1923.

Dikelilingi wanita

Charlie Chaplin dan Paulette Goddard dalam film Modern Times (1936). Penampilan terakhir di layar perak bagi karakter Tramp.

Chaplin dikelilingi banyak wanita yang berpengaruh penting dalam hidup dan karirnya.
Charlie Chaplin dan Paulette Goddard dalam film Modern Times (1936). Penampilan terakhir di layar perak bagi karakter Tramp.

Hetty Kelly

Cinta pertama Chaplin adalah pada Hetty, penari yang ditemuinya di London ketika Hetty masih berusia 15 tahun dan Chaplin 19 tahun. Chaplin tergila-gila dan melamarnya, tapi ditolak. Chaplin memutuskan keduanya untuk tidak saling berjumpa lagi, walaupun keputusan ini membuat hatinya hancur. Hetty tewas menjadi korban epidemi influenza tahun 1918.

Edna Purviance

Chaplin dan aktris lawan main tetapnya, Edna Purviance terlibat hubungan asmara sewaktu memproduksi film-film di studio Essanay dan Mutual dari tahun 1916 hingga 1917. Hubungan mereka tampaknya putus di tahun 1918, dan keduanya tidak mungkin rujuk sebab Chaplin menikah dengan Mildred Harris di akhir tahun yang sama. Edna terus berperan sebagai peran utama wanita di film-film Chaplin sampai tahun 1923, dan terus menerima gaji dari Chaplin hingga wafat tahun 1958.

Mildred Harris

Mildred yang berusia 16 tahun menikah dengan Chaplin yang sudah berusia 29 tahun pada 23 Oktober 1918. Pernikahan ini akibat Mildred yang masih di bawah umur mengira dirinya sudah hamil. Di antara keduanya lahir Norman Spencer Chaplin (dikenal sebagai "The Little Mouse") yang meninggal sewaktu masih kecil. Chaplin dan Mildred bercerai tahun 1920.

Pola Negri

Dari tahun 1922–1923, Chaplin terlibat hubungan dengan aktris Pola Negri yang baru datang dari Polandia untuk memulai karir di Hollywood. Hubungan mereka berdua sangat unik, dan tidak seperti biasanya Chaplin mau terang-terangan membeberkan hubungannya dengan wanita di muka publik. Penulis biografi Chaplin sebagian berpendapat hubungan Chaplin dan Pola adalah semata-mata untuk publisitas.

Lita Grey

Di usia 35, Chaplin berhubungan dengan Lita Grey yang berusia 16 tahun sewaktu persiapan film The Gold Rush. Setelah Lita hamil, mereka menikah tanggal 26 November 1924. Perkawinan menghasilkan 2 anak, aktor Charles Chaplin Jr. (1925–1968) dan Sydney Earle Chaplin (1926–). Perkawinan ini menjadi bencana karena keduanya tidak saling cocok. Chaplin dan Lita bercerai tahun 1928, dan menerima uang tunjangan perceraian yang jumlahnya memecahkan rekor pada saat itu. Chaplin harus membayar 825.000 dolar AS kepada bekas istrinya, ditambah 1 juta dolar AS untuk mengurus perkara ini. Perceraian ini begitu sensasional hingga membuatnya stres, dan diduga sebagai penyebab memutihnya rambut Chaplin. Penulis biografi Chaplin, Joyce Milton menulis dalam buku Tramp: The Life of Charlie Chaplin bahwa pernikahan Chaplin-Grey merupakan inspirasi novel Lolita karya Vladimir Nabokov di tahun 1950-an.

May Reeves

May mulanya diterima bekerja sebagai sekretaris pribadi untuk menemani Chaplin dalam perjalanan panjang ke Eropa (1931-1932). Tugas May nantinya membacakan surat-surat pribadi yang ditujukan kepada Chaplin, tapi baru sepagian bekerja, May dipertemukan dengan Chaplin yang langsung jatuh cinta. Keduanya menjadi sangat lengket hingga Syd kakak Chaplin jadi sebal. Setelah Syd ikut terlibat asmara May, hubungan cinta segitiga ini berakhir dan May keluar dari rombongan Chaplin. Reeves mengisahkan hubungan singkatnya dengan Chaplin dalam buku The Intimate Charlie Chaplin.

Paulette Goddard

Chaplin terlibat hubungan asmara sekaligus hubungan kerja dengan aktris Paulette Goddard dari tahun 1932-1940. Pada waktu itu, Goddard tinggal di rumah kediaman Chaplin di Beverly Hills. Chaplin "menemukan" bakat Goddard dan memberikannya peran utama wanita untuk film Modern Times dan The Great Dictator. Status pernikahan dengan Chaplin yang tidak mau dijelaskan Goddard membuat namanya dicoret dari calon pemeran Scarlett O'Hara untuk film Gone with the Wind. Setelah berpisah di tahun 1940, Chaplin dan Goddard mengaku keduanya pernah menikah diam-diam di tahun 1936. Pengakuan ini kemungkinan dibuat untuk mencegah rusaknya karir Goddard, karena secara pribadi Chaplin pernah mengaku tidak menikahi Goddard secara resmi. Chaplin membayar sejumlah tunjangan perceraian untuk Goddard setelah perkawinan secara hukum adat di antara keduanya berakhir damai di tahun 1942.

Joan Berry

Chaplin sempat sebentar terlibat hubungan asmara dengan aktris Joan Berry di tahun 1942. Chaplin ingin memasangnya sebagai peran utama wanita dalam film yang akan diproduksi. Hubungan mereka berakhir setelah Joan mulai menunjukkan gejala sakit jiwa. Keterlibatan singkat Chaplin dengan Joan nantinya banyak membuat repot. Setelah melahirkan anak di tahun 1943, Joan menuntut Chaplin untuk bertanggung jawab. Walaupun tes darah menunjukkan anak yang dilahirkan Joan bukanlah anak Chaplin, pengadilan tidak menerima tes darah tersebut sebagai bukti. Chaplin diperintahkan membayar dukungan finansial bagi anak Joan.

Oona O'Neill

Sewaktu berperkara dengan Joan Berry, Chaplin bertemu dengan Oona O'Neill, putri Eugene O'Neill, dan menikahinya tanggal 16 Juni 1943. Chaplin di usianya yang ke 54, sedangkan Oona baru 17 tahun. Setelah perkawinan berlangsung, ayah Oona sampai meninggal dunia tidak pernah menghubungi atau mau dihubungi putrinya. Chaplin dan Oona ternyata saling akur, Oona merindukan cinta laki-laki dengan sosok kebapakan, sebaliknya Chaplin haus kesetiaan seorang wanita muda. Perkawinan ini sekaligus digunakan Chaplin untuk mengangkat popularitasnya di mata publik yang mulai menurun. Pernikahan dikaruniai 8 anak, berlangsung lama dan bahagia. Putra Chaplin dari Oona ada 3 orang: Christopher, Eugene, dan Michael Chaplin, serta 5 putri: Geraldine, Josephine, Jane, Victoria, dan Annette-Emilie Chaplin.

Gelar ksatria

Chaplin menerima gelar Knight Commander of the British Empire (KBE) dari Ratu Elizabeth II pada 4 Maret 1975. Nama Chaplin pertama kali diusulkan sebagai penerima di tahun 1931, dan masuk dalam daftar calon untuk yang kedua kali pada tahun 1956, tapi diveto pemerintah Konservatif yang tidak ingin merusak hubungan dengan Amerika Serikat di tengah ketegangan Perang Dingin dan Krisis Terusan Suez.

Tutup usia

Chaplin wafat di usia 88 tahun dalam tidurnya pada Hari Natal tahun 1977, di Vevey, Swiss. Chaplin dimakamkan di Pekuburan Corsier-Sur-Vevey di Corsier-Sur-Vevey, Vaud, tapi makamnya dipindah di dekat Danau Jenewa setelah pernah dicuri sekelompok orang.

Trivia

* Charlie Chaplin pernah dua kali berlibur di Grand Hotel Ngamplang yang terletak di Kecamatan Cilawu, Garut, Jawa Barat. Kunjungan pertama Chaplin ditemani aktris Mary Pickford di tahun 1927, sedangkan kunjungan yang kedua bersama Paulette Goddard di tahun 1935.[1] Di Bandung, Chaplin pernah menginap di Hotel Homann ditemani Mary Pickford.[2]
* Spencer Dryden, pemain drum kelompok Jefferson Airplane adalah putra dari Wheeler Dryden, saudara laki-laki seibu dengan Charlie Chaplin.[3]

Filmografi

Tanggal rilis ditulis di dalam tanda kurung :

Keystone Studios
(*) tidak ditulis/disutradarai Charlie Chaplin
1914

* 01. Making a Living (2 Februari) *
* 02. Kid Auto Races at Venice (7 Februari) *
* 03. Mabel's Strange Predicament (9 Februari) *
* 04. Between Showers (28 Februari) *
* 05. A Film Johnnie (2 Maret) *
* 06. Tango Tangles (9 Maret) *
* 07. His Favourite Pastime (16 Maret) *
* 08. Cruel, Cruel Love (26 Maret) *
* 09. The Star Boarder (4 April) *
* 10. Mabel At The Wheel (18 April) *
* 11. Twenty Minutes Of Love (April 20)
* 12. Caught in a Cabaret (27 April) *
* 13. Caught in the Rain (4 Mei)
* 14. A Busy Day (7 Mei)
* 15. The Fatal Mallet (1 Juni) *
* 16. Her Friend The Bandit (4 Juni) (satu-satunya film Chaplin yang hilang)
* 17. The Knockout (11 Juni) *
* 18. Mabel's Busy Day (13 Juni) *
* 19. Mabel's Married Life (20 Juni)
* 20. Laughing Gas (9 Juli)
* 21. The Property Man (1 Agustus)
* 22. The Face on the Bar-Room Floor (10 Agustus)
* 23. Recreation (13 Agustus)
* 24. The Masquerader (27 Agustus)
* 25. His New Profession (31 Agustus)
* 26. The Rounders (7 September)
* 27. The New Janitor (14 September)
* 28. Those Love Pangs (10 Oktober)
* 29. Dough and Dynamite (26 Oktober)
* 30. Gentlemen of Nerve (Oktober 29)
* 31. His Musical Career (7 November)
* 32. His Trysting Place (9 November)
* 33. Tillie's Punctured Romance (November 14) *
* 34. Getting Acquainted (5 Desember)
* 35. His Prehistoric Past (7 Desember)

Essanay
1915

* 36. His New Job (1 Februari)
* 37. A Night Out (15 Februari)
* 38. The Champion (11 Maret)
* 39. In The Park (18 Maret)
* 40. A Jitney Elopement (1 April)
* 41. The Tramp (11 April)
* 42. By The Sea (29 April)
* His Regeneration (7 Mei) (cameo: sebagai pembeli)
* 43. Work (21 Juni)
* 44. A Woman (12 Juli)
* 45. The Bank (9 Agustus)
* 46. Shanghaied (4 Oktober)
* 47. A Night in the Show (20 November)
* 48. Burlesque on Carmen (18 Desember)

1916

* 49. Police (27 Mei)

1918

* 50. Triple Trouble (disusun 2 tahun setelah Chaplin keluar dari studio Essanay dari karya Chaplin yang belum selesai)

Mutual Film
1916

* 51. The Floorwalker (15 Mei)
* 52. The Fireman (12 Juni)
* 53. The Vagabond (10 Juli)
* 54. One A.M. (7 Agustus)
* 55. The Count (4 September)
* 56. The Pawnshop (2 Oktober)
* 57. Behind the Screen (13 November)
* 58. The Rink (4 Desember)

1917

* 59. Easy Street (22 Januari)
* 60. The Cure (16 April)
* 61. The Immigrant (17 Juni)
* 62. The Adventurer (22 Oktober)

First National
1918

* 63. A Dog's Life (14 April)
* 64. The Bond (29 September)
* 65. Shoulder Arms (20 Oktober)

1919

* 66. Sunnyside (15 Juni)
* 67. A Day's Pleasure (15 Desember)
* 68. The Professor tidak selesai

1920

* 68. The Kid (6 Februari)
* 69. The Idle Class (25 September)

1922

* 70. Pay Day (2 April)

1923

* 71. The Pilgrim (26 Februari)

United Artists
1923

* 72. A Woman of Paris (26 September) (cameo)

1925

* 73. The Gold Rush (26 Juni)

1928

* 74. The Circus (6 Januari)

1931

* 75. City Lights (6 Februari)

1936

* 76. Modern Times (5 Februari)

1940

* 77. The Great Dictator (15 Oktober)

1947

* 78. Monsieur Verdoux (11 April)

1952

* 79. Limelight (16 Oktober)

Produksi yang lain
1957

* 80. A King in New York (12 September)

1959

* 81. The Chaplin Revue (1 September) (Kumpulan film pendek sewaktu dikontrak studio First National: A Dog’s Life, Shoulder Arms, dan The Pilgrim yang disunting Chaplin menjadi film bermasa putar standar).

1967

* 82. A Countess from Hong Kong (5 Januari)

Lain-lain:

* The Nut (6 Maret 1921) (cameo: peniru chaplin)
* Souls For Sale (27 Maret 1923) (cameo: sebagai diri sendiri, sutradara terkenal)
* A Woman of the Sea (1926) (Chaplin sebagai produser)
* Show People (11 November 1928) (cameo: sebagai diri sendiri)

SUMBER :
http://id.wikipedia.org/wiki/Charlie_Chaplin

Stefan Sagmeister “Desain yang tidak takut pada batasan”

2009-03-20T10:46:00.000-07:00

“Desain yang tidak takut pada batasan” Stefan Sagmeister ini sempat diwawancarai oleh majalah desain kita VERSUS loh ^^ berikut percakapannya :

Stefan Sagmeiste ternyata sempat tinggal dibali 1 tahun,
ia tidak mau melakukan membuat karyanya di New york lagi atau kota besar berarti bukan seluruh AS, Eropa, dan kota besar di Asia timur.
dalam perbincangannya ia berkata Afrika dan Amerika selatan asing bagi saya, saya pernah ke bali pada masa pekerjaan dibiro iklan pada tahun 2007.
Suasana tropis, serta budaya kriya yang kaya membantu keputusan memilih bali
“Bali adalah tempat paling produktif, budaya yang pernah dikunjungi. Banyak teori tentang bagaimana itu mungkin terjadi (kekayaan tropis) terutama seni budaya.

Stevan pun sempat presentasiin karyanya yang terkenal yaitu Things I have learned in my life so far
Ia sempat ditanya apakah ia seniman atau desainer?
Ia pun menjawab dengan singkat “ Desain harus menghasilkan, seni tidak harus”

Epilog
Dan pertanyaan beikutnya “Style = Fart “ dan kelebihan besar melampaui gaya, ia telah meningkalkannya, tapi a menerima bahwa gaya dan Fashion juga membentuk desainnya “saya orang cukup mainstream, apa yang saya suka pasti disukai juga oleh orang lain”

Stevan Stagmaster dan Ismaiaji cahyono (team Versus)

Suber: dari majalah Versus

De Stijl

2009-03-17T17:13:00.000-07:00

Sejarah De Stijl De Stijl (1917-1932)

De Stijl berasal dari nama sebuah majalah seni di Belanda yang terbit antara tahun 1917-1931. De Stijl adalah bahasa Belanda untuk kata “The Style”. Tokoh-tokoh utama pendirinya adalah pelukis: Piet Mondrian dan Theo van Doesburg, kemudian bergabung arsitek: Gerrit Rietveld dan Jacobus Johannes Pieter Oud. Paralel dengan gerakan-gerakan desain yang radikal seperti Konstruktivisme Rusia, Bauhaus, dll,

aliran De Stijl muncul pada situasi sosial yang tak menentu akibat PD I. Sebagai sinyal berakhirnya dogma dan tradisi kebudayaan dari akhir abad ke-19, De Stijl menolak seni Borjuis yang naturalistis dan pemujaan individualitas dalam Romanticism (yang anti keuniversalan dari Neo-Klasik).

Key Movement Dalam era Modernisme di Eropa, dua gerakan yang dapat dibilang menjadi pergerakan utama ialah Bauhaus di Jerman dan de Stijl di Belanda. Bauhaus yang dalam bahasa Jerman berarti “Architecture House ” ialah sekolah seni dan arsitektur yang berdiri di Jerman dari tahun 1919 s/d 1933 sebelum pindah ke Amerika, gaya desain Bahaus menjadi salah satu gaya paling berpengaruh dalam gaya arsitektur serta interior era Modernisme di eropa.

Beberapa tokoh terkenal dari Bauhaus ialah Gropius, Adolf Meyer, Mart Sam dan Marcel Breuer lewat karya karyanya yaitu “Wasilly Chair”, “Chicago Tribune Tower” dan “Cantilever Chair”. Pergerakan lainnya adalah de Stijl di Belanda, de stijl ialah pergerakan seni di Belanda yang dimulai tahun 1917 belakangan gaya de Stijl-lah yang akan banyak mempengaruhi gaya desain dari Bauhaus

Pengertian De Stijl

De Stijl adalah aliran seni yang tidak representasional, tidak ilustratif ataupun naratif. De Stijl dianggap sebagai penangkal dari konflik antara universalitas dan individualitas. Menggunakan bentuk-bentuk geometris dengan susunan konstruksi yang sangat teknis dan sudut pandang yang tepat. Aliran ini meliputi seni dua dimensi dan tiga dimensi, arsitektur, dan juga tipografi.

Pada dasarnya aliran de Stijl hanya bergerak dalam dunia lukis. Sebab bagaimanapun konsep de Stijl adalah abstraksi secara ideal komposisi warna dalam bentuk dua dimensi, walaupun kemudian juga menghasilkan kesan ruang. Pemanfaatannya sangat banyak di dalam interior dan arsitekrur. Dalam kebanyakan karya seni, garis vertikal dan horisontal tidak secara langsung bersilangan, tetapi saling melewati satu sama lain. Hal ini bisa dilihat dari lukisan Mondrian, Rietveld Schröder House, dan Red and blue chair.

namun seperti yang ditulis oleh Piet Mondrian bahwa de Stijl tetaplah sebuah konsep ideal dalam dua dimensi. Meskipun Theo van Doesburg berusaha keras memperjuangkan pengaplikasiannya dalam dunia arsitektur, de Stijl tetaplah hanya menjadi bahan pertimbangan dalam pengolahan bidang-bidang warna, bukan arsitekturnya sendiri.

De Stijl Dan Perkembangannya

Gerakan De Stijl juga menjadi gerakan yang mengawali logo design.

Istilah Neo-Plasticism digunakan oleh Mondrian pada tahun 1920 dan tampak dalam karya-karyanya, salah satunya yang terkenal adalah Composition with Red, Yellow, Blue and Black (1921). Ia mengundurkan diri dari majalah De Stijl pada tahun 1923 setelah van Doesburg melukis dengan mengadopsi elemen-elemen diagonal di dalamnya. Van Doesburg melanjutkan penerbitan De Stijl hingga tahun 1931

Seorang Arsitek Belanda yang mendapat ilham dari gaya lukisan Mondrian adalah Gerrit Thomas Rietveld. Rietveld merancang rumah, interior dan furniturnya untuk seseorang bernama Truus Schroeder dengan mengikuti gaya lukisan Mondrian. Rumah tersebut, Schroeder’s House (1924) dan kursi di dalamnya Red/Blue Chair (1918-1923) menjadi hasil karya yang terkenal dan merupakan contoh dari yang disebut juga gaya modern minimalis.

Schroeder’s House dibuat dengan tampilan luar yang asimetris, dengan dinding-dinding pemisah yang moveable di dalamnya menggambarkan kedinamisan dan ide Neo-Plasticism tentang objek yang melayang dalam ruang. Panel-panel bergerak ini memungkinkan penghuni untuk memilih menjadikan rumahnya sebagai satu ruang yang luas atau ruang-ruang yang terpisah.

Awalnya pelukis yang bernama asli Pieter Cornelis Mondriaan (1872-1944) merupakan seorang pelukis natural, kemudian banyak dipengaruhi oleh Kubisme Picasso. Namun Kubisme tidak mengembangkan abstraksi secara optimal sebagaimana yang diinginkan oleh Mondrian: “the expression of pure reality” (fachereau, 1994:20). Oleh karena itu, dikembangkanlah abstraksi penuh yang kemudian disebut Neo-Plasticism.

Neo-Plasticism

Neo-Plasticism adalah nama lain gerakan De Stijl. Menekankan kelenturan bidang dengan cara memanfaatkan garis vertikal-horisontal. Warna yang dipakai adalah warna-warna primer (biru-merah-kuning) dan hitam, putih, dan abu2. Pandangannya bahwa kanvas adalah permukaan yang datar, harus berisikan elemen-elemen yang datar saja yang menyebabkan dia menghilangkan semua garis lengkung dan memakai garis lurus saja.

Neo-Plasticism memanggil mereka yang percaya perlu adanya pembangunan ulang dalam seni dan budaya dengan cara menghancurkan hal-hal yang menghambat perkembangannya. Mereka menghilangkan batasan-batasan dalam bentuk natural dan apa saja yang menghadang the expression of pure reality. Karya-karyanya dimaksudkan untuk mengekspresikan suatu masa depan dari dunia yang mengalami perubahan besar dalam politik dan sains. Karena itu, sesuai dengan dunia yang semakin terpengaruh oleh sains dan matematika, elemen-elemen kompleks yang natural (garis-garis lengkung dan diagonal, tekstur, dan warna) ditiadakan hingga tersisa garis vertikal-horisontal dan warna-warna primer pada bidang datar.

Intinya adalah merepresentasikan dunia dengan disimplifikasi (minimalis). Mengekspresikan “pure reality”, essence of the subject dengan cara yang paling sederhana tanpa menampilkan detil dan imej aktualnya, melainkan hanya komposisi yang seimbang (tetapi harus terbentuk dari bagian-bagian yang asimetris). Mondrian melihat batas-batas asimetris dari komposisinya sebagai perbandingan dari keseimbangan dari kekuatan yang berlawanan: Manusia dan alam, individu dan masyarakat, dan seterusnya. Balance dan ritme ditingkatkan dengan hubungan antara proporsi-lokasi dan melalui penggunaan oposisi. Dengan niat membuat karyanya terlihat tidak subjektif dan seperti mesin, seniman De Stijl yang diwakili para cubist dan futurist berharap sebuah komunitas bisa terbentuk dengan menolak individualitas dan mendukung keinginan bersama..

Orang-orang yang berjasa dalam mengembangkan De Stijl

Konsep de Stijl banyak dipengaruhi filosofi matematikawan M. H. J. Schoenmaekers. Piet Mondrian, kemudian mempublikasikan manifes seni mereka Neo-Plasticism pada tahun 1920,

meskipun istilah ini sebenarnya sudah digunakan olehnya pada 1917 di Belanda dengan frase Nieuwe Beelding. Pelukis Theo van Doesburg kemudian mempublikasikan artikel De Stijl dari 1917 hingga 1928, menyebarkan teori-teori kelompok ini.

Perupa de Stijl antara lain pematung George Vantongerloo, dan arsitek J.J.P. Oud dan Gerrit Rietveld Aliran De Stijl mempengaruhi aliran Bauhaus melalui Theo van Doesburg yang mengajar pada sekolah Bauhaus

Para Seniman Yang Menganut Aliran De Stijl

Piet Mondrian (1872 – 1944)
Theo van Doesburg (1883 – 1931)
Ilya Bolotowsky (1907 – 1981)
Marlow Moss (1890 – 1958)
Amédée Ozenfant (1886 – 1966)
Max Bill (1908 – 1994)
Jean Gorin (1899 – 1981)
Burgoyne Diller (1906 – 1965)
Georges Vantongerloo (1886 – 1965)
Gerrit Rietveld (1888 – 1964)
Bart van der Leck (1876 – 1958)

Contoh-Contoh De Stijl

Kemunduran De Stijl

De Stijl meredup seiring perpecahan di antara Theo van Doesburg yang aplikatif dan Piet Mondrian yang teoritis.

Aliran De Stijl pudar juga ditandai dengan kematian teoretikus dan penerbit majalah utamanya, Theo van Doesburg pada tahun 1931.

Hingga akhirnya majalah de Stijl terakhir kali terbit untuk mengenang kematian Theo van Doesburg.

SUMBER :

Adityawan , Arief, Tinjauan Desain: Dari revolusi Industri Hingga Posmodern, FSRD UNTAR, 1999, 45-46.
http://www.artlex.com/
http://www.flickr.com/
http://www.wikipedia.org/
http://www.macalester.edu/
http://www.cocoacup.com/
http://www.bonluxat.com/
http://www.theserverbank.com/
http://www.oak.cats.ohio.edu/
http://www.akrylic.com/
Dari Wikipedia bahasa Indonesia, ensiklopedia bebas
http://www.delphicollective.com/

Art Neuveau

2009-03-17T11:27:00.000-07:00

Art Nouveau

Art Nouveau Nama ini berasal dari Maison de l’Art Nouveau Adalah aliran seni yang sangat dekat sekali dengan tumbuh-tumbuhan/ alam yang meliuk-liuk. Berkembang pada masa 1892-1900, pertama kali muncul di Belgia lalu menyebar ke Eropa sampai Amerika dengan nama yang berbeda yaitu di Jerman gerkan ini disebut Jugendstil, yang diambil dari majalah Diejugend (pemuda) yang dipublikasikan sejak tahun 1896. di Itali Austria bernama “Sezessionstil” dan, di Prancis sendiri, istilah bahasa Inggris “Modern Style” sering juga digunakan, menekankan dari mana gerakan ini berasal.

Art Nouveau Style adalah gaya extravaganza dengan ornamen yang terinspirasi dari alam seperti flora yang penuh dengan sulur-sulur, kelopak bunga dan kecantikan wanita.
Art Nouveau adalah sebuah aliran/ langgam/ style seni rupa modern yang marap pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20 di Eropa daratan. Abad ke-20 merupakan masa yang subur bagi berbagai jenis seni rupa modern untuk berkembang, hal ini dikarenakan pesatnya perkembangan teknologi dan pengaruh-pengaruh budaya baru (juga didukung oleh industrialisasi, kolonialisme, urbanisasi, dll.). Karya Art Nouveau biasanya dicirikan dengan bentuk-bentuk plastis dan organis, tapi tetap mengandalkan prinsip-prinsip geometris (sebagai perbandingan: Art Deco yang geometris, kaku meski menggambarkan figur-figur hewan, bunga, atau manusia). Art Nouveau dapat diidentikan dengan cita rasa seni bangunan yang eksentrik dan mahal mengingat tingkat kesulitan detail yang tinggi, belum lagi dengan penerapan bahan yang mahal.

Art Nouveau berkembang diberbagai aspek:

1.art neuveau dalam furnitur

Art neuveau pun berpengaruh dalam perkembangan Furnitur yang berpengaruh pada jaman dulu dan sekarang berikut contoh-contoh yang berpengaruh pada perkembangannya furniture yang mulai ada dan terpengaruh dengan ornament-ornamen bunga dan sulur-sulur yang meliuk-liuk.

beberapa karya furniture:

2. art neuveau dalam Architecture

Di bidang arsitektur, karya mereka seperti bukan didesain diatas meja gambar, tapi laksana tunas yang muncul sendiri dari permukaan bumi. Beberapa contoh yang amat terkenal didunia adalah Templo Expiatory de la Sagrada Familia ( Gereja Penebusan Dosa Keluarga Suci) di Barcelona (1883- dan sampai sekarang belum selesai)karya Arsitek Spanyol Antonio Gaudi. Kemudian karya arsitek Belgia Victor Horta, satu town house di Rue Americaine, Brussels(1898) yang sekarang dijadikan Museum Horta sejak 1969 .Arsitek Perancis Stephen Sauvestre yang membantu Gustav Eiffel membangun Menara Eiffel juga memberi sedikit sentuhan Art Nouveau pada menara tersebut (dibangun tahun 1887-1889.

seperti: karya Antonio gaudi di sepanyol

3.art neuveau dalam artistic

Bentuk-bentuk artistik di zaman itu sangat berkiblat pada gaya klasik Yunani Roma yang didominasi oleh bentuk-bentuk geometris primer seperti segi tiga, segi empat, elips dan lingkaran. Para pencetus Art Nouveau seperti desainer William Morris dipihak lain berpendapat bahwa garis lurus dan sudut tegak lurus seperti yang terdapat pada bentuk-bentuk geometris primitif tidak pernah hadir dalam jagat raya ini. Bahkan dalam tubuh manusia dan benda-benda organisme lainnya tidak akan ditemui satupun garis lurus.
Maka para artis art nouveau mengkreasikan suatu bentuk seni yang menghindari bahkan menentang bentuk garis lurus dan sudut siku-siku dan bentuk geometris primitif lainnya.Mereka menciptakan karya-karya yang penuh garis lengkung.
Dibidang grafis dan seni rupa pola-pola desainnya mengadopsi bentuk wanita (muda) dan bunga penuh dengan garis-garis lengkung (undulating). Juga binatang binatang seperti capung dan kupu-kupu yang kebetulan sayapnya punya pola gambar yang sesuai dengan semangat gaya Art Nouveau.

4.art neuveau dalam kehidupan sekarang

Art Nouveau dizamannya memang, dilihat dari kacamata sekarangpun , cukup menggairahkan rasa seni, tetapi bentuk gaya seni ini kurang bisa memenuhi tuntutan zaman yang segera datang kemudian. Revolusi industri menuntut apapun yang diproduksi harus bisa dibuat dalam jumlah besar, dengan biaya yang murah dan dengan kecepatan tinggi. Bentuk bentuk aliran garis lengkung sangat sulit dibuat, mahal, dan lagi memakan waktu. Aliran Art Nouveau ini menghilang pelan-pelan di sekitar tahun 1910. Namun di tahun 1960 Art Nouveau seperti dihidupkan kembali.

Art Nouveau dianggap sebagai aliran yang ‘total’, dalam arti aliran ini memiliki pengaruh dalam banyak bidang — arsitektur, desain interior, seni dekoratif termasuk diantaranya perhiasan, furniture, tekstil, peralatan makan, dan lampu, dan berbagai seni visual.

dan tokoh-tokoh dalam art Neuveau adalah:

sumeber:
www.Greatbuldings.com
www.architectureweek.com
www.katsclass.com
www.Google.com
www.wikipedia.com
buku Tinjauan desain 1, arief Adityawan.

Slide 8

CONTOH-CONTOH KARYA ART AND CRAFT MOVEMENT

2009-03-17T00:47:00.000-07:00

Artichoke wallpaper, by John Henry Dearle for William Morris & Co., circa 1897

Pada awal abad ke-19 kaum industri mulai menciptakan kertas dinding, dan mutu desain menurum. William Morris, seorang seniman Britania yang tertarik akan desain alat-alat rumah tangga dan barang-barang kebutuhan sehari-hari, mulai menciptakan kertas dinding buatan tangan yang kemudian membuatnya masuk ke dalam dunia desain rumah. Desain kertas dinding ini didasarkan pada motif tumbuhan sejenis sayuran yang disesuaikan mode, suatu tema umum pada desain seni nouveau.

Bedroom furnishings by William Morris

American arts and crafts or Mission- Style Furniture by G. Stickley

The Grammar of Ornament by Owen Jones

philosophy_cranesjuno

ART AND CRAFT MOVEMENT

2009-03-16T23:55:00.000-07:00

ART AND CRAFT MOVEMENT

Dengan adanya revolusi industri, bidang industri semakin berkembang. Berbagai jenis barang kebutuhan diproduksi dalam pabrik. Namun kualitasnya makin menurun dari hari ke hari. Sebagai reaksi dari keadaan tersebut, timbul suatu gerakan yang dinamakan ‘Art & Craft Movement’.
Gerakan seni dan kriya atau lebih dikenal dalam bahasa Inggris sebagai art and craft movement adalah suatu gerakan pada akhir masa revolusi industri yang mementingkan komitmen kerja dan keindahan. Penganutnya menolak estetika yang dihasilkan oleh produksi secara massal, yang dianggap sebab utama hilangnya keindahan individual.
Pelopornya adalah John Ruskin (1819-1900) dan William Morris (1834-1896). Ruskin melihat adanya ‘suatu yang hilang’, para seniman tidak lagi menikmati ‘proses produksi’, akibat pelaksanaannya yang terstandarisasi, sehingga dapat menghambat kreativitas para seniman. Penggunaan mesin dalam setiap proses produksi menghasilkan produk yang terstandarisasi. Gerakan Art & Craft ini memusuhi mesin, sehingga tiap produk yang dihasilkan merupakan buatan tangan hasil kreativitas para seniman.
Art and craft movement memberikan kesan kembali ke periode gothic, roccoco, dan renaisans. Salah satu ciri utamanya adalah karya seni dibuat secara individu oleh seniman dengan sentuhan artistik yang khas. Setiap karya digarap dengan serius dan teliti.
Art and Craft Movement ingin mengembalikan pada kaidah ‘recover humanity and beauty’. Karya-karya Morris sendiri banyak dipengaruhi oleh inspirasi Gothic Art, yang dianggap sebagai the culture of the God, berkesan glorious dengan sifat yang authorian (dengan kekuasaan/ authority tertinggi berada di ‘tangan’ Tuhan). Tema-tema gothic sendiri memberikan kesan dignity, religius serta menekankan pada harmoni. Hal ini akan segera tertangkap pada kediaman Morris yang terlihat ‘terinspirasi’ dengan bangunan yang menjulang, pemilihan bahan (batu bata merah) yang sangat harmoni dan selaras dengan rerumputan hijau di halaman yang lapang. Atau penggambarannya atas sosok ideal wanita pada masa tersebut yang lebih bermain pada distorsi (dengan memanjangkan kaki dan membuat sosok yang lebih kurus) yang sangat berlainan dengan sosok wanita ideal dari era renaissance yang lebih mengagungkan sosok yang padat dan berisi.
Karya-karya pada Art and Craft Movement berangkat dengan gaya yang baru (new style) dengan inspirasi dari alam (nature) yang disederhanakan (simplified) serta ditampilkan dalam bentuk pattern. Produk-produknya juga merupakan kombinasi dari art dan craft (sesuai nama gerakannya) yang begitu memperhatikan kualitas. Art and Craft Movement menekankan pada produk-produk yang dihasilkan dengan tangan (hand made), meski untuk itu produk yang dihasilkan secara jumlah menjadi sangat terbatas. Itu dikarenakan gerakan ini anti mesin-mesin industri untuk membuat produksi yang lebih massal. Ini pula yang kemudian dianggap sebagai faktor yang membuat gerakan ini dianggap gagal.

Contohnya : Red House (1859)
Pembangunan Red House seluruhnya merupakan hasil kreativitas manusia, tanpa menggunakan mesin, pengerjaannya seluruhnya merupakan buatan tangan mulai dari sistem struktur sampai pada ornamen-ornamennya. Bangunannya masih tetap terdiri dari bentuk geometris sederhana, bangunan mulai metampakkan kesan “ringan”-nya degan adanya jendela lebar pada façade, yang dimungkinkan karena pergantian sistem struktur dari sistem dinding-pemikul ke sistem rangka. Tampilan ukiran mulai ditinggalkan, digantikan dengan bahan yang prafabrikasi. Portico kembali menyusut secara fungsional, dimana bentukan lengkung mash tetap dipakai, tetapi bukan sebagai bentkan yang dominan.

Klasifikasi
Secara garis besar, art and craft movement terbagi atas dua aliran besar, yaitu:
Rasionaliasi desain oleh kalangan modernis-formalis
Stilasi desain oleh kalangan stylish, yang kemudian melahirkan Art Nouveau

Contoh karya :
Cover majalah studio 1888 - tidak dikenal
Cover majalah “Craftsman” - Gustav Sticley
Halaman buku “Morte’d Arthur” - Aubrey Breadsley

Contoh seniman :
William Morris
Owen Jones
Gustav Sticley
Aubrey Breadsley
Arthur Mc. Murdo
Adolf Loos
Michael Tonet

Sumber :
http://en.wikipedia.org/wiki/Arts_and_Crafts_movement

http://char.txa.cornell.edu/art/decart/artcraft/artcraft.htm

FUTURISME

2009-03-12T21:26:00.001-07:00

Futurisme dari bahasa Perancis, futur atau bahasa Inggris, future yang keduanya berarti “masa depan” adalah:

1. sebuah ilmu yang mempelajari masa depan

2. aliran seni yang avant-garde, atau sebelum masanya, terutama pada tahun 1909 Masehi

3. pandangan yang lebih mementingkan masa depan

Futurisme adalah aliran seni yang mendukung perkembangan tipografi sebagai unsur ekspresi dalam desain. Artinya, dalam futurisme huruf tidak hanya diperlakukan sebagai tanda bunyi tetapi juga sebagai lambang rupa untuk menyampaikan suatu makna. Hal ini disebabkan karena banyak penyair futurisme yang memanfaatkan tipografi sebagai bagian dari ungkapan perasaannya dalam berpuisi.

Para futuris mengeksplorasi setiap bagian dari seni, termasuk lukisan, patung, puisi, teater, musik, arsitektur, bahkan gastronomi. Pujangga Italia, Filipo Tommaso Marinetti, adalah yang pertama diantara mereka yang menghasilkan sebuah manifesto pada filosofi artistik.

Filippo Tommaso Marinetti

Polemik Marinetti dengan segera menarik dukungan para pelukis Milanese seperti Umberto Boccioni, Carlo Carra, dan Luigi Russolo yang ingin merealisasikan ide-ide Marinetti ke dalam suatu bentuk seni visual. Pelukis Giacomo Ballaa dan Gino Severini bertemu Marinetti pada 1910 dan bersama dengan Boccioni, Carrà dan Russolo menerbitkan Manifesto of the Futurist Painters yang menggambarkan manifesto Marinetti dengan penuh kekerasan dan deklamasi.

Pada 1910 dan 1911 mereka menggunakan teknik divisionisme, memecah cahaya dan warna menjadi titik-titik dan garis-garis, yang diciptakan oleh Seurat.

Falsafah yang dipakai oleh kaum Futuris hampir sebagian besar diambil dari latar belakang sejarah kemunculan Modernisme. Sebab kita mengetahui, bahwa Futurisme ini merupakan gerakan awal lahirnya Modernisme. Di samping itu, dengan terjadinya Revolusi Industri berpengaruh pula pada Futurisme ini. The Machine Aesthetics atau estetika mesin muncul mempengaruhi ciri-ciri penyusunan tipografi baik pada poster, sampul buku, dan aneka bentuk grafis lain.

Futurisme dalam Seni Musik

Musik futuris menolak musik tradisional dan memperkenalkan suara-suara eksperimental yang berasal dari mesin. Fransesco Balila Pratella bergabung dengan gerakan futuris pada tahun 1910 dan menulis “Manifesto of Futurist Musician”

Futuris Arsitektur

Antonio Sant’Elia adalah seorang arsitek yang mungkin paling berpengaruh di abad 20. Ide-ide moderen yang dimilikinya dituangkan di kumpulan lukisannya “La Città Nuova” (“The New City”).

Cubo Futurisme

Cubo-futurisme merupakan pusat dari futurisme di Rusia yang mendapat pengaruh dari kubisme dan berkembang di Rusia pada 1913.

Para futuris Rusia, seperti Velimir Khlebnikov, Aleksey Kruchenykh, Vladimir Mayakovsky, David Burlyuk, sangat terpukau dengan dinamisme, kecepatan, dan kehidupan urban modern yang tak pernah beristirahat. Para Futurisme Rusia cenderung ke arah literatur ketimbang gerakan artistik. Mereka bertujuan untuk membuat kontroversi dan menarik perhatian public dengan menunjukkan kekolotan seni di masa lalu. Bagi pengikut-pengikut Pushkin dan Dstoevsky,

menurut mereka, “semua harus bernaung dari kemoderenan zaman”. Mereka tidak mengakui hak-hak dan sebagainya, bahkan Marinetti, kepala dari seluruh manifesto yang mereka adopsi sebelumnya. Ketika dia tiba di Rusia dalam kunjungan mengkristenkan umat di tahun 1914, dia dihalangi oleh sejumlah banyak artis-artis Futuris Rusia yang tidak menyatakan berhutang apapun kepada dia. Gerakan akhirnya berakhir setelah revolusi 1917

Pengaruh futurisme

Futurisme banyak mempengaruhi bidang kesenian seperti: seni lukis, seni patung, seni musik, desain dan arsitektur. Dalam dunia arsitektur Futurisme biasa berpangaruh pada bagian-bagian dari bangunan seperti pintu masuk, lantai, bentuk bangunan, ornamen, dsb. Futurisme juga berpengaruh pada perkembangan tipografi. Selain itu futurisme yang memanfaatkan tipografi banyak dipakai dalam mengungkapkan perasaan dalam berpuisi. Futurisme ini muncul dari situasi yang ditimbulkan akibat Perang Dunia I, dengan tujuan meninggalkan kenangan pahit, nostalgia, pesimistis, kemudian melepaskan materi-materi, elemen-elemen, dan nilai-nilai lama. Nilai-nilai dari kaum Futuris, dimaksudkan untuk mengiringi dan mengimbangi pergeseran kebudayaan, kekuatan dinamis pasar yang luas, era permesinan, dan komunikasi global.

Futurism juga banyak mempengaruhi aliran seni pada abad ke 20 seperti Art Deco, Constructivism,Dada, dan Surealism.

Futurisme merupakan gerakan awal lahirnya Modern. Dengan terjadinya Revolusi Industri berpengaruh pula pada Futurisme ini. The Machine Aesthetics atau estetika mesin muncul mempengaruhi ciri-ciri penyusunan tipografi baik pada poster, sampul buku, dan aneka bentuk grafis lain

SUMBER :

http://en.wikipedia.org/wiki/Futurism_%28art%29

http://chapter6o1/wordpress.com/2008/09/

http://andywarholisme-td1a.blogspot.com/2008/03/futurisme.html

Constructivism (art)

2009-02-26T19:54:00.001-08:00

Suatu pergerakan seni modern yang dimulai di Moscow pada tahun 1920, yang ditandai oleh penggunaan metoda industri untuk menciptakan object geometris. Constructivism Rusia berpengaruh pada pandangan moderen melalui penggunaan huruf sans-serif berwarna merah dan hitam diatur dalam blok asimetris. Gambar dibawah adalah model dari Menara Tatlin, suatu monumen untuk Komunis Internasional.

***

Pada akhir perang dunia I th 1918, Lenin mengamati tentang tugas/peran rusia selanjutnya dalam perang. Dengan cara itu ia menyeting tingkat/tahap pertumbuhan ekonomi dan teknologi yg dijalani. Perang itu telah mengajari kita banyak,tdk hanya tentang orang2 menderita,tp khusuna efek dari orang2 itu yg memiliki teknologi,organisasi,mesin2 terbaik yg muncul ke atas. Ini penting untuk mempelajari bahwa tanpa mesin2, tanpa disiplin2, itu tdk mungkin untuk hidup dalam lingkungan modern. Ini penting untuk menguasai teknologi tertinggi/terbaik atau tertindas.
Artis2 dalam masa itu terpengaruh oleh perubahan2 teknologi,penemuan2 ilmu pengetahuan,dan pendekatan baru akan pemikiran dan agama.
para pelukis pendukung futurism, dan org2 tertinggi/penting terpengaruh oleh - tertarik dalam - merespon radio,mesin tulis (telegrafis), psawat terbang, foto berwarna, sinar x, gambar2 emosi, kendaraan yg berhubungan dg mobil, org2 penganut komunis, org2 psikolog, zaumism (untuk menamai hanya sedikit)...dan kerusakan akan perang dunia

Merupakan kesenian resmi pemerintahan Bolshevik.

Pergerakan yg artistik dan arsitektur di russia dari 1919 ke depan (khususna yg ada skarang stelah revolusi oktober) yg dimana membuang seni "alami" dlm kebaikan sebuah seni yg digunakan sebagai sebuah instrumen untuk tujuan sosial, spesifikna untuk sebuah konstruksi sistem sosial. Paham konstruksi sebagai sebuah kekuatan aktif berakir sampai kira2 tahun 1934,mempunyai efek yg bermanfaat untuk seni Repubik Weimar and daerah lain na, sebelum diganti oleh Socialist Realism **(paham sosial berbicara ttg keadaan sebenarna)**Tema2/motif2 nya scr tersebar timbul kembali di pergerakan2 seni laen nya sjak itu.

ASAL MULA

Istilah perbaikan seni pertama digunakan sebagai sebuah istilah ejekan oleh Kazimir Malevich untuk mendeskripsikan pekerjaan milik Alexander Rodchenko pada tahun 1917. Paham Constructivism **(perbaikan)** pertama muncul sebagai sebuah istilah positif dalam deklarasi realisme Naum Gabo tahun 1920. Alexei Gan menggunakan'nya sebagai judul buku Constructivism'nya, yg dimana diterbitkan tahun 1922. Constructivism adalah sebuah hasil perkembangan prang dunia pertama milik org2 penganut futurism rusia. dan khususnya "corner counter relief" Vladimir tatlin, yg dimana sudah dipamerkan tahun 1915. Istilah ini sendiri akan dirubah oleh pemahat Antoine Pevsner dan Naum Gabo, orang yg mengembangkan sebuah industri,sedikit mendekati pekerjaan mreka, ketika geometrik abstrak nya berhutang sesuatu untuk menjadi Kasimir Malevich suprematism. Dasar pengajaran untuk pergerakan baru yg ditaruh oleh lembaga Enlightenment (atau Narkompros) budaya dan pendidikan kementrian pemerintahan Bolshevik dipimpin oleh Anatoly Vasilievich Lunarcharsky, orang yg menghilangkan academy seni2 Petrogard yg lama dan sekolah seni lukis,seni pahat dan arsitektur Moscow tahun 1918. IZO, kantor lembaga artistik berjalan selama perang sipil org2 Russia yg dimana sebagian besar oleh kaum Futurism, org yg mempublikasikan jurnal seni komune. Fokus dari Contructivism di Moskow adalah VKhuTEMAS, skolah untuk seni dan desain yg didirikan tahun 1919. Gabo lalu menyatakan bahwa pengajaran di skolah dulu difokuskan lebih pada diskusi politik dan ideologi drpd pembuatan karya seni. Meskipun begitu, Gabo sendiri mendesain sebuah alat pemancar radio pada tahun 1920 (dan akan mengajukan sebuah desain kepada kompetisi di istana Soviet pd tahun 1930. Contructivism sebagai teori dan praktek sendiri berasal dari rangkaian perdebatan/diskusi di INKhUK (lembaga kebudayaan artistik) di Moscow, dr th 1920-22. Stelah turun jabatan dari kedudukan utamanya, Wassily Kandinsky dengan paham mistiknya, pekerjaan grup pertama para Constructivist (termasuk Liubov Popova, Alexander Vesnin, Rodchenko, Varvara Stepanova, dan para ahli teori Alexei Gan, Boris Arvatov dan Osip Brik) akan datang saat sebuah definisi dari paham Contructivism sebagai combinasi faktura : objek kepemilikan material penting dan tektonika. Pada mulanya para penganut paham Contructivism bekerja pada 3 dimensi perbaikan sebagai sebuah langkah pertama untuk partisipasi di industri: pameran OBMOKhU (lingkungan artis2 muda) menunjukkan adanya tiga dimensi campuran, oleh Rodchenko,Stepanova,Karl loganson dan Stenberg bersaudara. Lalu definisi tadi akan diperpanjang untuk 2 dimensi pekerjaan seperti buku2 atau poster2, dengan montase dan faktographi menjadi penting.

Art in the service of the Revolution

Para Contructivist sama banyaknya melibatkan dirinya dalam desain untuk industri dan bekerja untuk festival umum dan mendesain jalan2 untuk mengenang revolusi pemerintahan Bolshevik bulan Oktober. Mungkin tempat2 yg paling terkenal untuk itu adalah Vitebsk, yg dimana logam dan bangunan propaganda UNOVIS grup milik Malevich dilukis (paling dikenal sebagai poster El Lissitzky mengalahkan orang2 putih dengan Red Wedge (1919)). Diinspirasikan oleh deklarasi Vladimir Mayakovsky 'jalan2 sikat2 kita, bangunan2 segi 4 papan tipis kita', artis2 dan para pendesain berpartisipasi di kehidupan umum sepanjang perang sipil. Salah satu contoh yg menarik adalah festival yg diusulkan untuk konggres Comintern tahun 1921 oleh Alexander Vesnin dan Liubov Popova, yg dimana menyerupai perbaikan pameran OBMOKhU yg sama baiknya dengan pekerjaan teater mreka. Waktu itu ada sesuatu persamaan yg besar di periode ini antara paham Contruktivism dan Proletkult, ide2 tentang kebutuhan untuk menciptakan sebuah budaya baru menyerang sebuah 'chord' dengan para Contructivist. Dan juga beberapa Contructivist dilibatkan secara besar2an di 'ROSTA Windows', sebuah kampanye informasi publik Bolshevik pada sekitar tahun 1920. Beberapa orang yg paling populer adalah para penulis sajak Vladimir Mayakovsky dan Vladimir Labedev.

Sebagai bagian dari permulaan pergerakan anak2 muda Soviet, org2 Constructivist memilih sebuah pandangan artistik yg terarah untuk meliputi pengertian, aktivitas material, dan seluruh semangat manusia. Artis2 pun mencoba untuk mencipatakan pekerjaan2 yg akan dapat menarik para pengamat keluar dari pengaturan tradisional and membuat mreka menjadi seorang pengamat yg aktif dlm pekerjaan seni. Ini memiliki beberapa kesamaan dengan teori 'membuat aneh ' org2 formal Russia, dan oleh sebab itu pimpinan teori mreka Viktor Sklovsky bekerja erat dengan para Constructivist, sebagai dimana yg dilakukan oleh formalis seperti Osip Brik. Teori2 ini dulu dicoba di teater, khususnya di tempat kerja Vsevolod Meyerhold, orang yang sudah mendirikan apa yg org panggil sbg 'Teater di Bulan Oktober'. Meyerhold mengembangkan sebuah gaya akting 'biomekanikal', yg dipengaruhi oleh sirkus dan oleh teori pengelolaan pengetahuan milik Frederick Winslow Taylor. Sementara itu tahap pertumbuhan mengatur seperti Vesnin, Popova dan Stepanova yg dites oleh ide spatial para Constructivist di kondisi umum. Sebuah versi tahap yg lebih populer ini dikembangkan oleh Alexander Tairov, dengan tahap yg diatur oleh Aleksandra Ekster dan Stenberg bersaudara. Ide2 ini dapat bekerja mempengaruhi direktur2 Jerman seperti Bertolt Brecht dan Erwin Piscator, sama baiknya sepert ipermulaan layar lebar Soviet.

Tokoh-tokohnya :

Vladimir Tatlin (1895-1956)
- Dikenal sebagai penemu Constructivisme Rusia. Mengunjungi di studio paris di mana dia melihat pahatan2 milik picasso yg dibuat dari material2,kertas,tali senar,kardus,kayu,logam,kaca, dan plastik.

Tatlin, ‘Seni Konstruksi’ dan Produktivisme

Photomontase oleh Tatlin menunjukkan desain bajunya, 1924.

Hasil karya yang resmi menurut undang-undang gereja adalah usulan dari Vladimir Tatlin untuk monumental dari Third International (1919) yang mengkombinasikan estetik mesin dengan teknologi komponen dinamik seperti lampu sorot dan layer projector. Publisitas Gabo mengkritik desain Tatlin dengan menyebut pembangunan fungsional rumah dan jembatan atau menciptakan seni murni, adalah tidak kedua-duanya. Ini telah memicu suatu kebalikan mayor dalam kelompok Moskow pada tahun 1920 sewaktu Gabo dan Pevsner Realistic Manifesto menyatakan inti spiritual untuk kemajuan. Ini menentang pihak yang bermanfaat danversi adaptasi dari konstruktifisme yang diadakan oleh Tatlin dan Rodchenko. Karya Tatlin segera dipamerkan oleh para seniman di Jerman sebagai revolusi dari seni: sebuah foto pada tahun 1920 menampilkan George Grosz dan John Heartfield memegang plakat berbunyi ‘Seni adalah Mati –Seni Mesin Tatlin yang Bertahan Lama’, sementara desain untuk menara diterbitkan oleh Bruno Taut, majalah Fruhlicht.

Menara Tatlin dimuali dari period perubahan ide antara Moskow dan Berlin, sesuatu yang didorong kembali oleh El Lissitzky dan Ilya Ehrenburg majalah Jerman-Soviet Veshch-Gegenstand-Objet yang menebarkan ide dari ‘Seni Konstruksi’, seperti yang dilakukan oleh pameran Konstruktivis pada tahun 1922 Russische Ausstellung di Berlin, yang dikepalai oleh Lissitzky. ‘Konstruktifis internasional’ dibentuk, yang mempertemukan para seniman Dadaisme dan De Stijl di Jerman pada tahun 1922. Para partisipan dalam international berjangka pendek ini termasuk Lissitzky, Hans Richter, dan Laszlo Moholy Nagy. Bagaimanapun ide dari ‘seni’ telah menjadi antema dari konstruktivis Rusia. Tatlin adalah yang pertama menjawabnya dan berniat mentransfer talentanya ke industri produksi, dengan desainnya untuk tungku perekonomian, untuk para pekerja dan untuk furniture. Elemen utopia dalam Konstruktivisme adalah mempertahankan oleh ‘letatlin’nya, mesin terbang yang ia kerjakan sampai 1930an.

Konstruktivisme dan Konsumerisme

Pada tahun 1921, Kebijakan Ekonomi Baru ditempatkan di Uni Soviet, dimana kembali diperkenalkan kapitalisme terbatas kedalam ekonomi Soviet. Rodchenko, Stepanova, dan lainnya sedang membuat iklan untuk kerjasama yang sedang diadakan dalam kompetisi dengan bisnis komersial. Penyair Vladimir Mayakovsky dan Rodchenko bekerja bersama-sama dan menyebut diri mereka “konstruktur periklanan”. Bersama mereka mendesain gambar yang menarik menampilkan warna-warna cerah , bentuk geometric, dan tipografi yang tebal. Penggunaan tipografi dari desain-desain tersebut didesain dengan unsure menciptakan suatu reaksi, dan fungsi dari emosional dan level yang substansial –yang paling sering didesain untuk pertokoan Mosselprom di Moskow, untuk perdamaian, minyak masak, bir dan produk lainnya dengan pernyataan Mayakovsky bahwa ‘tidak ada dimanapun kecuali Mosselprom’ adalah salah satu yang terbaik yang pernah ia tulis.

PENGARUH

Pada abad terakhir, seni diambil alih dalam banyak arah oleh kemajuan seperti fauvisme, kubisme, dan dadaisme. Kubisme dan futurisme tampaknya mempunyai pengaruh paling kuat dalam pengembangan dari suprematisme dan konstruktivisme. Karya kubis adalah oleh kebanyakan orang menjadi pengaruh utama dari kemajuan sisi abstrak dari seni dengan Pablo Picasso dan Georges Braque menjadi lebih berpengaruh ddari kubis. Kubis mendirikan pondasi untuk abstraksi dalam suprematisme dan konstruktivisme dengan “memperkenalkan konsep desain independent dari alam”. Abstraksi dalam seni mengikuti kubisme secara umum jatuh kedalam dua kategori: (1) Objektif –konstruksi diatas referensi terhadap suatu objek; dan (2) Non-objektif –konstruksi tanpa referensi apapun terhadap objek aslinya. Suprematisme adalah non-objektif karena banyak dari mereka adalah pematung konstruktivis. Futurisme juga pengaruh yang kuat terhadap pengguna konstruktivis dari material tidak traditional dengan seniman futuris Boccioni menggunakan rambut, kaca, dan papan kartu untuk membuat beberapa dari karya seninya. Dadaisme juga tampaknya mempunyai pengaruh pada karya konstruktivis dengan ketebalan, penggunaan warna merah datar, hitam, abu-abu dan putih, abstrak tapi dengan layout yang teratur dan tipografi yang kuat dalam banyak karya dadaisme. Diluar seni itu sendiri, hal lain yang mempunyai pengaruh pada suprematisme dan konstruktivisme seperti industrialisasi Eropa yang sangat cepat menekan kea rah timur sampai Rusia, dan revolusi di tahun 1905, sementara hampir tidak mempunyai efek dari pemerintah, sisal atau masalah ekonomi, atau kebijakan asing Rusia. Ini menunjukkan keseimbangan dalam kekuatan antara dua kekuatan political utama yang ada di Kerajaan Soviet pada waktu itu dan membuat kekacauan untuk merubah dan “dress rehearsal”, seperti yang disebut Lenin, untuk revolusi dari 1917. Masalah ini menjadi topic yang disimbolisasikan kedalam banyak karya konstruktibis dan suprematisme.

Banyak supremarisme, seperti Vladimir Tatlin, bekerja dalam pabrik atau pekerjaan berat yang mempengaruhi mereka untuk mencoba hal baru dengan material baru. Eksperimentasi Tatlin meresmikan kemajuan seni baru di Russia pada saat yang sama bahwa suprematisme membangun popularitas dalam republic komunis. Gaya baru ini disebut Konstruktivisme. Nama ini pertama muncul dalam judul dari eksibisi kecil yang bertitel Konstruktivisme dan Konstruktivisty, yang diadakan oleh Vladimir Stanberg, Georgii Stenberg, dan Konstantin Medunetskii yang mana pelukis abstrak dikritik karena ketidakmampuan mereka untuk memecahkan secara bebas dari hanya berseni dan bagaimana mendeskripsikan bagaimana konstruktivisme telah berkembang dari aplikasi praktikal. Seperti suprematisme, konstruktivisme adalah kemajuan yang kecil dari era industrial di Rusia. Vladimir Tatlin memulai eksperimennya dengan gayanya yang baru di Russia pada awal 1915. Ia mendeskripsikannya sebagai “Seni kedalam Hidup!”. Nama “Konstruktivisme” adalah deskripsi diri karena para seniman akan menggunakan material seperti besi, kabel, beton,plastic, dan bahkan kayu yang membangun karya tiga dimensional mereka. Bagaimanapun, beberapa seniman menggunakan media seperti fotografi dan lithografi. Kary ini oleh konstruktivis biasanya unik dan abstrak, juga simetrikal dan tebal. Karya ini biasanya membawa banyak simbolisme dan arti lebih dari lukisan suprematisme atau pematung konstruktivis. Konstruktivisme juga sangat geometrical dengan garis dan kurva yang simple dan tebal. Konstruktivis lain termasuk para seniman seperti Naum Gabo, Eva Hesse, Antoine Pevsner, Lazlo Moholy-Nagy, dan Anton Mikailovich Lavinskii, dan beberapa diantara mereka. Seniman ini sangat dipengaruhi dalam pertumbuhan popularitas dari konstruktivisme pada awal 1920an. Tetapi kemungkinan karya konstruktivis yang paling terkenal adalah Monument to the Third International milik Tatlin, model untuk struktur arsitektural yang besar berdiri hingga 400 meter didesain menggunakan prinsip konstruktivis geometric. Menara ini berbentuk spiral, konstruksi dari besi. Dengan eksosskeletonnya menjadi empat bentuk geometric: kubus pada lapisan bawah, pyramid pada bagian atasnya, silinder di atas pyramid, dan bentuk hemisphere kecil di atasnya.

Sumber:

http://en.wikipedia.org/wiki/Russian_avant-garde
http://andywarholisme-td1a.blogspot.com/

Bauhaus

2009-02-26T19:46:00.001-08:00

Bauhaus

Bauhaus adalah sekolah yang didirikan oleh para seniman, diberi istilah “Rumah Gedung” atau “Gedung Sekolah” adalah istilah yang umum untuk Staatliches Bauhaus, sebuah sekolah di Jerman yang mengkombinasikan kriya dan seni murni, dan untuk pendekatan ke desain yang dipublikasikan dan diajarkan. Beroperasi dari tahun 1919 sampai 1933. Sekolah Bauhaus didirikan oleh Walter Gropius di Weimar. Meskipun namanya dan fakta bahwa penemunya adalah seorang arsitek, Bauhaus tidak mempunyai departemen arsitektur untuk beberapa tahun di awal kelahirannya. Gaya Bauhaus menjadi salah satu yang paling berpengaruh di arsitektur modern dan desain modern. Bauhaus amat sangat berpengaruh dalam perkembangan selanjutnya dalam seni, arsitektur, desain grafis, interior desain, industrial desain dan tipografi.

Sekolah Bauhaus muncul di tiga kota di Jerman yaitu Weimar dari tahun 1919 sampai 1925, Dessau 1925 sampai 1932, dan Berlin 1932 sampai 1933, dibawah tiga pemimpin arsitek yang berbeda: Gropius dari tahun 1919 sampai 1927, Hannes Meyer 1927 sampai 1930 dan Ludwig Mies van der Rohe 1930 sampai 1933, sewaktu sekolah tersebut tutup akibat rezim Nazi. Perubahan keadaan dan kepemimpinan dihasilkan dalam pergantian focus yang konstan, teknik, instruktur, dan politik. Sewaktu sekolah Bauhaus pindah dari Weimar ke Dessau, untuk singkatnya, walaupun sudah ada sumber pendapatan yang penting, pengusaha tembikar gulung tikar. Sewaktu Mies Van mengambil alih sekolah Bauhaus di tahun 1930, ia merubahnya menjadi sebuah sekolah privat, dan tidak memperbolehkan para penyokong dari Hannes Meyer untuk hadir di sekolah tersebut.

Bauhaus dan Modernisme Jerman

Yayasan dari Bauhaus terjadi pada masa pergolakan politikal dan kultural di Jerman. Banyak sayap kiri Jerman yang terpengaruh oleh beberapa dari eksperimentasi budaya yang diikuti oleh revolusi Rusia, seperti konstruktivisme. Pengaruh seperti ini bisa ditekan dengan keras: Gropius sendiri tidak membagi pandangan radikal ini, dan berkata bahwa Bauhaus sepenuhnya tidak mengandung unsur politikal. Hanya sama pentingnya bahwa pengaruh pada abad 19 dari desainer Inggris William Morris, yang telah berdebat bahwa seni harus bertemu dengan kebutuhan dari masyarakat dan bahwa disana tidak boleh ada perbedaan antara bentuk dan fungsi. Sehingga gaya Bauhaus, juga dikenal sebagai Gaya Internasional, yang ditandai dengan kehadiran dari ornamentasi dan oleh keharmonisan antara fungsi dari suatu objek atau gedung dan desainnya sendiri.

Pengaruh paling penting atas Bauhaus adalah modernisme, sebuah kemajuan cultural yang secara original terdapat pada dari tahun 1880an, dan dimana telah membuat kehadirannya sendiri terasa di Jerman sebelum Perang Dunia I, meskipun konservatisme telah tersebar luas. Inovasi desain telah umu di asosiasikan dengan Gropius dan Bauhaus –bentuk radikal yang simple, rasionalitas dan fungsionalitas, dan ide bahwa mass-production telah di damaikan dengan spirit artistic dari individual—telah menjadi bagian yang berkembang di Jerman sebelum Bauhaus ditemukan. Organisasi nasional desainer Jerman Deutscher Werkbund dibentuk pada tahun 1907 oleh Hermann Muthesius untuk memanfaatkan potensi baru dari mass-production.

Bauhaus ditemukan sewaktu Jerman telah berubah dari ekspresionisme emosional ke objektivitas baru. Seluruh grup arsitek, termasuk Erich Mendelsohn, Bruno Taut, dan Hans Poelzig, berbalik dari eksperimentasi fantasi ke rasional, fungsional, dan standarisasi gedung. Dibalik Bauhaus, banyak signifikan lain dari juru bicara arsitek Jerman pada tahun 1920an merespon isu estetik yang sama dan kemungkinan-kemungkinan material seperti sekolah. Mereka juga meresponden ke perjanjian dari “minimal dwelling” ditulis kedalam konstitusi Weimar yang baru. Diterimanya desain modern kedalam kehidupan sehari-hari adalah subjek dari kampanye publisitas.

Sejarah dari Bauhaus

Sekolah Bauhaus ditemukan oleh Gropius di Weimar pada tahun 1919 sebagai penggabungan dari Grand Ducal School of Arts and Craft dan Weimar Academy of Fine Art. Akar ini terdapat dalam sekolah seni dan kriya yang ditemukan oleh Grand Duke of Saxe-Weimar-Eisenach pada tahun 1906 dan dipimpin oleh arsitek Art Nouveau Belgia, Henry van de Velde. Sewaktu van de Velde dipaksa untuk mundur pada tahun 1915 karena ia seorang Belgian, ia menyarankan Gropius, Hermann Obrist, dan August Endell untuk terus menjadi pelopor. Pada tahun 1919, setelah penundaan diakibatkan oleh kehancuran dari Perang Dunia I dan panjanganya perdebatan mengenai ideological dan rekonsiliasi sosio-ekonomi dari seni murni dan seni yang diterapkan, Gropius membuat seorang pemimpin sebuah institusi integrasi baru yang disebut dengan Bauhaus. Pada pamphlet untuk eksibisi April 1919 berjudul “Exhibition of Unknown Architects”, Gropius mengklaim bahwa tujuannya adalah untuk “menciptakan serikat kerja baru bagi para seniman, tanpa perbedaan kelas dimana meningkatkan rintangan kearoganan antara seniman dan artis.” Pada awal tujuannya hanya untuk Bauhaus untuk mengkombinasikan sekolah arsitektur, sekolah kriya, dan akademi seni. Pada tahun 1919 pelukis Swis Johannes Itten, pelukis Jerman-Amerika Lyonel Feininger, dan pemahat Jerman Gerhard Marcks, bersama dengan Gropius, mendirikan fakultas Bauhaus. Dengan tahun-tahun berikutnya ranking mereka telah meningkat termasuk pelukis Jerman, pemahat, dan desainer Oskar Schlemmer dan pelukis Swiss Paul Klee, bergabung pada tahun 1922 oleh pelukis Rusia Wassily Kandindsky. Tahun yang menggemparkan di Bauhaus, 1922 juga melihat pindahnya pelukis Belanda Theo van Doesburg ke Weimar untuk mempromosikan De Stijl, dan berkunjung ke Bauhaus dengan konstrukstivis Rusia dan arsitek El Lissitzky.

Dari tahun 1919 sampai 1922 sekolah dibentuk ole ide-ide yang berhubungan dengan pendidikan dan ide estetik dari Johannes Itten, yang mengajar Vorkurs atau ‘kursus pendahuluan’ merupakan introduksi ke ide dari Bauhaus. Itten dengan berat dipengaruhi dari cara ia mengajar ide-idenya dan untuk menghormati estetik.

Majalah Bauhaus disebut Bauhaus dan beberapa serinya disebut "Bauhausbücher". Para desainer dibutuhkan dan beberapa tipe baru dari edukasi seni. Filosofi sekolah menyatakan bahwa artis harus dilatih untuk bekerja dengan industri.

Weimar ada di Negara bagian Jerman dari Thuringia, sekolah Bauhaus menerima dukungan dari pengendali social demokrat pemerintah Negara bagian Thuringia. Setelah Bauhaus pindah ke Dessau, sekolah industrial desain dengan guru dan pengajar, sekolah ini dikenal dengan Technical University of Architecture and Civil Engineering, dan pada tahun 1996 diubah namanya menjadi Bauhaus University Weimar.

Dampak

Bauhaus mempunyai dampak utama dari seni dan tren arsitektur di Eropa Utara, Amerika, dan Israel (White City dan Tel Aviv) banyak artis menghilang atau di asingkan sebagai dampak dari rezim Nazi.

Salah satu dari objek utama dari Bauhaus adalah bergabungnya seni, kriya, dan teknologi. Mesin lebih dianggap sebagai elemen yang positif, industri dan desain produk merupakan komponen yang sangat penting. Vorkurs atau kursus dasar telah diajarkan, ini adalah era modern “Desain Dasar” yang telah menjadi kunci fundamental yang menawarkan arsitektural dan sekolah desain ke seluruh dunia. Salah satu kontirbusi penting Bauhuas adalah desain modern arsitektur.

Banyak artis yang terkemuka yang mengajar di Bauhaus, salah satunya adalah Piet Mondrian.

Piet Mondrian.

Dia adalah kontributor penting terhadap perkembangan seni De Stijl (The Style), ia mengembangkan bentuk non-representasional dimana ia beri istilah dengan Neo-Plasticism. Ini terdiri dari jaringan antara horizontal dan vertical yang diberi outline dan penggunaan tiga warna primer.

Para seniman Bauhaus yang terkemuka sedang berdiri di atas atap dari bangunan Bauhaus yang berada di Dessau. Dari ki-ka: Josef Albers, Hinnerk Scheper, Georg Muche, László Moholy-Nagy, Herbert Bayer, Joost Schmidt, Walter Gropius, Marcel Breuer, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Gunta Stölzl and Oskar Schlemmer.

T. Lux Feininger, Sport at the Bauhaus, c. 1927, Vintage print

Lucia Moholy, Bauhaus building Dessau, Balcony of the studio house, 1926, Vintage print

Marianne Brandt, Tea-extract pot, 1924, Brass, silver, ebony

Pegangan dari Arsip Bauhaus meliputi berbagai macam bidang koleksi, disediakan dalam dokumentasi unik tentang sejarah Bauhaus, dan mempermudah kami untuk mengerti hasil yang telah dicapai dalam sekolah yang didominasikan dengan seni, edukasi, arsitektur, dan desain.

bauhaus archive / museum of design

Gedung museum adalah karya terakhir dari Walter Gropius, penemu Bauhaus. Direncanakan pada tahun 1964 untuk Darmstadt dan dibangun pada tahun 1976-1979 dalam bentuk modifikasi di Berlin. Sekarang, karakteristik siluetnya menjadi salah satu hal yang menonjol di Berlin.

Beberapa gambar tampak gedung Bauhaus:

Bauhaus, Dessau

Balkon Sayap Kiri, Bauhaus, Dessau

Sumber:

http://en.wikipedia.org/wiki/Bauhaus
http://andywarholisme-td1a.blogspot.com/

comment about Stefan Sagmeister

2009-02-26T06:21:00.000-08:00

hari ini (25/02/2009)kelas Tinjauan desain 1, kami nonton vidio tentang Yes, design can make you happy-Stefan Sagmeister. Dan setelah kita nonton vidio itu comment kita :

Perawati :
" yang dapat saya liat dari vidio es, design can make you happy-Stefan Sagmeister bagaimana disain divisualkan menjadi sesuatu yang menyenangkan sesuai hatinya, dengan gaya ia sendiri yang idenya didapat dari apa yang ia liat dilingkungan dan tempat-tempat yang ia kunjungi.
wow Keren! mungkin bikin kita punya inspirasi ^^
kl karya yang saya suk, tertarik dengan karya yang dibuat Stefan Sagmeister, yaitu karya yang dia membuat kata dibuat ke visual dengan barang-barang , tempat dan hal yang ada disekitar kita dalam keidupan sehari-hari kita"
yang ini:

\

Defry salim:

Menurut saya dalam video Stefan Sagmaister adalah suatu percakapan inspirasi. Saya telah menemukan hal-hal yang membuat saya senang dalam sebagai desainer yang paling sulit dan hal ini telah membuat orang lain melihatnya. Stefan yang memiliki kemampuan untuk membuka mata orang lain. Dengan berbagi apa yang membuat dia senang, membuat orang lain bahagia dan sering dikatakan sebagai kebahagiaan menyebar. Saya memikirkan bahwa kasus seseorang tidak memberitahu apa yang akan membuat mereka senang tetapi mereka menampilkan sesuatu dan memberitahu mereka menemukan kebahagiaan di dalamnya.

Steven Oscar:

Komentar Saya tentang Stefan Sagmeister adalah kehebatan dia sebagai desainer yang menggabungkan keindahan tipografi dengan konsep alam di sekitarnya atau lingkungannya sewaktu menonton video tentang Stefan Sagmeister saya melihat dalam mengembangkan bakat sebagai desainer diperlukan kegembiraan dan kepuasan akan karya yang kita buat maka kita sebagai desainer yang membuat suatu karya akan terobsesi untuk membuat lebih banyak karya lagi

Dari karya-karya yang dibuat Stefan Sagmeister saya paling menyukai yang satu ini karena yang dibuatnya unik sebab biasanya orang lain membuat body painting yang lebih memainkan peranan warna abstrak,gambar abstrak,dan keindahan visual tetapi Stefan Sagmeister menggunakan Tipografi bukan berupa gambar disini idenya sangatlah kreatif.

Yang satu ini adalah karya yang kedua saya suka setelah karya yang diatas sebab disini Stefan Sagmeister membuat sebuah tipografi yang tulisannya seperti anak Tk yang baru belajar menulis dengan perpaduan ranting pohon dan batu-batu berwarna kuning yang penggambarannya benar-benar seperti anak-anak.

Darmanto :

Karya-karya dari Stefan sangat menarik dan kreatif. Dia mampu membuat karya-karya dari sesuatu yang meskipun sederhana tetapi unik dan kreatif.

Dalam video tentang Stefan, saya mendapatkan bahwa sebagai desainer kita harus menikmati setiap pekerjaan kita, sehingga kita dapat membuat karya yg kreatif. Saya sgt terinspirasi dr karya-karya Stefan,dimana karya itu bisa dinikmati oleh orang-orang yg melihatnya.

Dewi:

Pendapat saya tentang stefan sagmaster (alah sotoy bgt gw) dy adalah seorang desaigner yangcukup menikmati hidupnya, dan membuat design-desing yang unik.. dan dia sukamenyinggung masalah hidup dilihat dari karya-karya dia yang berbrntuk kalimat-kalimat menyinggung.. dan dilihat dari hasil karya nya berupa gambar lalu ditambah-tambah kalimat nya , itu menurut saya menunjukan stefan sagmaster adalah orang yang spontan mengeluarkan pendapatnya.

Lukas Painuis :

Menurut saya karya-karya stefen sagmaster sangat unik dengan mengunakan bahan bahan yang tidak terpikirkan, dan dalm bentuk-bentuk yang tidak biasa. banyak dari karyanya yang menurut saya mengungkapkan apayang dia pikirkan tentang apa itu kehidupan dan dengan bentuk karya yang berbentuk tipografi sangatlah komunikatif sehinga orng pun dapat melihatnya dan mengartikanya.

Stefan Sagmeister

2009-02-25T11:40:00.000-08:00

Stefan Sagmeister seorang desainer grafis berbakat kelahiran Bregenz, Austria yang telah memenangkan banyak penghargaan desain internasional. Karyanya banyak menghiasi buku-buku

desain terkemuka saat ini. Sempat mendesain beberapa cover album seperti Rolling Stones, David Byrne, Lou Reed, Aerosmith dan Pat Matheny, yang membawanya 4 kali menjadi nominator Grammy Award. Pria Austria ini juga sempat mendapat beasiswa Fullbright dan meraih gelar MFA dari Pratt University. Stefan Sagmeister mendirikan agensi desain Stefan Sagmeister Inc. sejak tahun 1993.

portfolionya banyak mengerjakan project untuk CD cover musisi Talking Heads, David Byrne, Lou Reed, Rolling Stones, Pat Metheny, dll. Debutnya sebagai seorang grafis desainer semakin melejit apalagi ketika dia membuat sebuah poster dengan gambar dirinya penuhtorehan pisau membentuk tipografi.

Kini Sagmeister yang ini kini memantapkan karirnya di rimba bisnis di New York. Pada 9 dan 10 Agustus 2007 para desainer grafis di Indonesia beruntung karena Sagmeister hadir di Jakarta dalam International Creative Conference dan workshop THINK BIG WITH DESIGN yang diadakan di FGD EXPO 2007 di Jakarta Convention Centre.

Disela kesibukannya di Jakarta pada kesempatan makan malam bersama beberapa Desainer Grafis Indonesia (ADGI) di Loro Jongrang Cikini, Kontributor Wartajazz.com Arief 'Ayip' Budiman sempat berbincang singkat tentang karya-karyanya yang berhubungan dengan musik. Termasuk proses penciptaan desain cover Pat Metheny. Berikut obrolannya:

WartaJazz: Sag, Anda banyak memiliki portfolio project musisi dengan CD cover dan promonya, bagi Anda apakah project-project tersebut didasari oleh hubungan baik Anda dengan para musisi tersebut sebagai teman atau mereka hanyalah klien semata?

Sagmeister : Buat saya musik adalah bisnis juga dan saya memiliki pandangan bahwa desain dan musik merupakan dunia yang saling memberikan pengaruh. Tantangannya adalah bagaimana menggabungkan musik dengan desain. Disamping itu saya sangat suka dengan format CD untuk dijadikan ekspresi kemasan. Format CD adalah “Small incredible Space”. Ketika saya mendesain banyak CD cover untuk musisi itu industri musik juga sangat menarik di banyak Negara namun semenjak 7 tahun lalu saya memutuskan untuk tidak membuat proyek CD packaging lagi karena untuk saya sudah tidak menarik lagi semenjak bisnis musik juga mengalami penurunan di banyak negara.

WJ: Apakah saat merancang project tersebut Anda juga harus mengenal musik dan musisinya ?

SM : Ya, tentu saja. Dengan diskusi intens dan brainstorming bersama mereka.

WJ: Khusus untuk Pat Metheny, apa impresi Anda tentang musiknya?

SM: Sewaktu Pat datang kepada saya dan menginginkan gaya kolase pada desain album “Imagery Day”nya saya melihatnya dari kacamata yang berbeda. Musiknya setelah saya dengarkan “incredibly presice”. Sangat terkomposisi dengan apik dan detail sehingga gaya kolase yang dia inginkan bagi saya sangat tidak relevan. Pat menginginkan gaya kolase karena baginya musiknya sangat kompleks sehingga single image dianggapnya tidak dapat mewakili gambaran musiknya. Tetapi saya secara tegas mengatakan tidak kepadanya dan saya berargumentasi musiknya secara spesifik dapat diwakili dengan penggambaran 26 decode yang berbeda yang dapat menggambarkan setiap detail musiknya (Notes: All type on the “Imaginary Day” cover for the Pat Metheny Group has been replaced by code. The images connect to the songs and mood of the album and can be decoded by using the diagram printed on the CD itself. A twelve-page booklet with more coded type/imagery is also included. AIGA) Ia setuju dan memberikan keleluasaan kepada saya mengintepretasinya dalam desain

WJ: Lalu apa impresi Pat ketika desainnya selesai dan dipublish menjadi kemasan ?

He loves it. And the CD also sold out. The recording company was very happy too in this teamwork. So, everybody Happy.

sumber...

Dan pada hari selasa, 17 julu 2007 Forum Desain Grafis Indonesia (FDGI) dan Forum FGD mengundang:

Sagmeister dan Rashid dan para Desainer Grafis, Desainer Produk, Desainer Interior, Arsitek, serta Pemerhati Desain dan Life Style telah menunggu hari ini dengan

Design Discussion Gathering “Menelanjangi Sagmeister dan Rashid”

yang telah dan diskusi perjalanan dua Desainer Berbakat dalam mencapai posisi Kancah Selebriti Dunia Kreatif.

sumber...

dan kita bisa lihat kebesaran Stefan Sagmeister dari beberapa link ini:

http://www.ted.com/
www.Sagneister-tipografi.com
My.live.so.far

VIDEO : Stefan Sagmeister: Yes, design can make you happy

Sumber : http://www.youtube.com/watch?v=eZp-H9g_jeY

Who Gestaltus's?

2009-02-25T01:37:00.000-08:00

Perawati (625060004)
Bekasi 22, juni, 1988
punya hobby edit2 foto, suka sama fotograpy etc.
masuk DeKape karena dr kecil suka liad gambar dan gambar2
jd mau berkembang dibidang disain tentunya ^^
"Lakukan apa yang terbaik dalam hidup ini"

2.
Defry salim (625060001)
Aku kelahiran orang Muntok-Bangka.. Schoolnya di SD, SMP Santa Maria-Muntok, SMAnya di Vianney-Jakarta, dan sekarang kuliahnya di Universitas Tarumanagara.. Sekarang aku tinggalnya di Bojong Indah-Jakarta Barat.. Hobi aku menyanyi, fotografi, bermain game, baca komik dan majalah bola, nonton bola.
Aku orangnya agak diam tetapi sekali ketemu dengan orang yg aku kenal aku orangnya heboh sekali. kalau tidak percaya !! Coba saja berkenalan dengan aku. Aku seneng pegang camera loh..
Nanti lulus Aku pengin menjadi photographer yang profesional..kalau tidak membuka studio foto juga boleh ..
jadi teman-teman doain aku yah...

Lucas Painius (625050164)

Lahir 9 februari 1987 mahasiwa untar dkv kerjaannya maen game, tidur motret, gambar plus segala sesuatu yang menyenangkan. Demi cita-cita aku terdampar di universitas tarumannagara dan bertemu dengan teman-teman yang sama gilanya wakakakakakakka about me cari aje sendiri.

Gue lahir d Jakarta. 19 November 1988. Gue kuliah d Universitas Tarumanagara, Jakarta. Jurusan Desain Grafis..

Hobby gue itu, menyendiri (wakakakaka) kesian bgt y gue.. CKCKCKC… ky autis… hobby menyendiri gue d karena kan aktifitas sehari hari gue terlalu rame..hahaha..jd puccciiinnnkkk… >.<

Gue bisa nyasar ke untar tuh gara2 (dulu nya) rmh gue deket ma untar, cm skg udah ga deket..hahahaha… n gue pilih jurusan DKV karena asik aja, g ngerasa plg enjoy..tp stlh masuk, enjoy gue agak berkurang soalnya aga d kejar wktu…hueeeeee….

Motto idup gue it, LIFE IS 2 SHORT 2 WORRY ABOUT SH*T..!!

Ciao….

Stefan Oscar (625050174)

Gw lahir di Jakarta 11 Oktober 1986 gw kuliah di untar karena berniat masuk jurusan Manajemen akhirnya malah terdampar di jurusan Desain Grafis Untar selama kuliah desain grafis di untar mata kuliah yang paling gw suka adalah fotografi karena menarik untuk dilihat gw senang melihat karya-karya desain yang bagus tetapi kalau disuruh membuatnya saya malas. hobby gw makan,tidur,jalan2,baca komik,dan nonton pokoknya apa aj dee asal senang2….

Motto saya dalam hidup ini adalah cuek is the best.

Darmanto (625060168)

Lahir tgl 12 April '88..anak kedua dari 2 bersaudara,perbedaan umur dgn kakak : 5 menit ( yup..5 menit ) .kuliah di untar jurusan DKV, berhubung suka coret-coret dan gambar. Kegiatan lainnya yg selalu dilakukan : maeeen gameeee.... ^^ Seorang yg pendiam dan pemalas,tanpa tujuan yg jelas..